ÚNETE A NUESTRA COMUNIDAD

¿POR QUÉ ANIMAS ESTÁ DANDO TANTO QUE HABLAR? SPOILER: CLAPTONE NO ES EL ÚNICO MOTIVO

Redacción
Redacción | 21 Oct, 2026.

La música electrónica encontrará un escenario poco habitual el próximo 24 de octubre en Navarra. Coincidiendo con la Noche de Ánimas, ANIMAS celebrará su primera edición en el Pueblo Medieval de Sendaviva, un enclave cuya ambientación marcará la personalidad de una propuesta que va más allá de reunir a varios artistas en un mismo cartel.

La presencia de Claptone es, sin duda, uno de los principales reclamos de esta primera edición. El DJ y productor, reconocible por su característica máscara dorada, encabezará una programación de seis artistas que recorrerá diferentes perfiles de la electrónica durante una noche que se prolongará hasta la madrugada. Sin embargo, el interés de ANIMAS también está en el lugar elegido y en su conexión con una fecha que encaja con la atmósfera que plantea el festival.

Un pueblo medieval como escenario

Frente a los recintos habituales de la música electrónica, ANIMAS apuesta por el Pueblo Medieval de Sendaviva como marco para su estreno. La ambientación del espacio y la coincidencia con la Noche de Ánimas aportan un contexto particular a la cita, en la que el entorno tendrá un papel importante junto a la programación musical.

La propuesta busca aprovechar esa combinación para construir una noche con identidad propia, en la que la música electrónica se encuentre con una estética vinculada al imaginario medieval y a una celebración tradicionalmente asociada a estas fechas. Una fórmula que diferencia a ANIMAS de una convocatoria centrada exclusivamente en el cartel.

Claptone lidera el cartel

En el apartado musical, Claptone ocupará el tramo central de la noche con un set de dos horas, de 00:00 a 02:00. Su combinación de house y melodías orientadas a la pista de baile será uno de los ejes de una programación que también contará con Javi Colina, encargado de preparar el terreno entre las 22:30 y las 00:00.

La noche arrancará a las 20:30 con Alex Lago. A continuación, Joseba Espuelas B2B Dorian tomarán el relevo de 21:30 a 22:30, antes de la actuación de Javi Colina y la llegada del cabeza de cartel. Tras Claptone, David Treble actuará de 02:00 a 02:45 y Eric Hernández pondrá el cierre a la programación.

Horarios de ANIMAS

20:30–21:30: Alex Lago
21:30–22:30: Joseba Espuelas B2B Dorian
22:30–00:00: Javi Colina
00:00–02:00: Claptone
02:00–02:45: David Treble
02:45–03:30: Eric Hernández

Con su primera edición, ANIMAS plantea una nueva cita para el calendario electrónico de octubre, con una combinación de música, localización y contexto que busca distinguirla de otros eventos. La cita tendrá lugar el sábado 24 de octubre en el Pueblo Medieval de Sendaviva, Navarra, coincidiendo con la Noche de Ánimas.

Más información y entradas aquí.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de Animas Fest (@animas.live)

 

UNA FINAL INTERNACIONAL DE STREET DANCE CON EL PÚBLICO COMO JURADO: ZÚRICH SE PREPARA PARA RED BULL DANCE YOUR STYLE

Redacción
Redacción | 21 Oct, 2026.

La cuenta atrás ha comenzado para una de las grandes citas internacionales de la danza urbana. Este sábado 24 de octubre, Zúrich acogerá la final mundial de Red Bull Dance Your Style 2026, una competición que reunirá a bailarines de diferentes países en una batalla de freestyle donde la improvisación, la selección musical y la conexión con el público serán determinantes para hacerse con el título.

A diferencia de otros campeonatos, aquí no hay jueces que decidan quién gana. Los enfrentamientos son individuales, uno contra uno, y los participantes deben adaptar sus movimientos a canciones inesperadas, que pueden ir desde éxitos actuales hasta clásicos de distintas épocas. Es el público quien tiene la última palabra y elige al ganador de cada batalla, convirtiendo cada enfrentamiento en una competición abierta en la que la capacidad de sorprender resulta fundamental.

España estará representada por Xelyna

La escena española tendrá su representante en esta final internacional con Xelyna, una de las bailarinas que participarán en la competición en Zúrich. Su presencia permitirá seguir de cerca el papel de España en un campeonato que reúne a algunos de los nombres más destacados de la danza urbana internacional.

En un formato en el que no basta con dominar una disciplina, la capacidad de interpretar canciones inesperadas, adaptarse al rival y conectar con el público puede marcar la diferencia. Xelyna se enfrentará a ese reto en una competición donde cada batalla exige encontrar respuestas sobre la marcha y donde la decisión final queda en manos de los asistentes.

Zúrich, sede de la final mundial

Después de pasar por ciudades como París, Johannesburgo, Frankfurt, Mumbai y Los Ángeles, Red Bull Dance Your Style llega a Zúrich para celebrar una nueva final internacional. El escenario principal será el Hallenstadion, donde los bailarines competirán ante el público en una jornada que pondrá el foco en la diversidad de estilos y la creatividad dentro de la danza urbana.

La programación también incluye rondas previas en Schiffbau, donde los participantes buscarán hacerse un hueco en la gran final. Las entradas para la final en Hallenstadion, así como para las semifinales y las prefinales, ya están agotadas.

Horarios y cómo seguir la final

La apertura de puertas del Hallenstadion está prevista para las 18:00, mientras que el espectáculo comenzará a las 20:00 y se prolongará hasta las 22:30, en horario CEST.

Quienes no puedan asistir tendrán la posibilidad de seguir la competición en directo a través de Red Bull TV, YouTube y TikTok. En YouTube, además, la participación del público a través de la votación forma parte de la dinámica del evento.

Más información aquí.

Con bailarines llegados de distintos puntos del mundo y un formato que sitúa al público en el centro de la competición, Red Bull Dance Your Style volverá a poner a prueba los límites de la improvisación y la expresión individual. Una final en la que no bastará con dominar la técnica: también habrá que saber interpretar cada canción, conectar con los asistentes y ganarse sus votos.

Más información aquí.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Red Bull Dance (@redbulldance)

EL BOCATA DE CALAMARES Y EL COCIDO SON DE MADRID. DENNIS CRUZ, TAMBIÉN

Rebeca Luque
Rebeca Luque | 20 Oct, 2026.

El pasado sábado 17 de octubre, el DJ y productor madrileño Dennis Cruz volvió a la capital para ponerse al mando de The Lenovo Garage en una nueva cita de BSMT Live. La propuesta era sencilla sobre el papel: siete horas de música, un solo DJ y ninguna discusión sobre quién entra después. De 17:00 a medianoche, la cabina tenía dueño. Y eso, aunque pueda parecer un plan bastante cómodo, también tiene su responsabilidad. Hay quien tarda cuarenta minutos en decidir qué cenar y aquí hablamos de mantener el rumbo musical de toda una tarde.

La idea de un All Day Long tiene precisamente ese punto de partida. No se trata solo de alargar una sesión hasta que el reloj pida clemencia, sino de darle a un artista tiempo para desarrollar su selección, cambiar de intensidad, jugar con los ritmos y llevar la música por donde considere. Sin relevos, sin tener que condensar todas sus ideas en una hora y sin la presión de dejarle el terreno preparado al siguiente.

Eso sí, siete horas son siete horas. Hay gente que no aguanta ni siete minutos sin mirar el móvil y aquí hablamos de mantener la atención de una pista durante toda una tarde. Desde fuera, pinchar puede parecer bastante sencillo: unos cascos, una mesa, cuatro botones y la sensación de que tampoco hay que estar desactivando una bomba. Hasta que te das cuenta de que hay que leer el ambiente, elegir el momento adecuado y, sobre todo, no quemar todos los cartuchos en la primera hora, como quien se come el postre antes de empezar a cenar.

La clave está en saber administrar el tiempo. Construir un recorrido musical requiere paciencia, intuición y cierta capacidad para entender qué pide la pista en cada momento. Porque tener siete horas por delante no significa que todo valga, igual que disponer de una tarde entera no garantiza que vayas a aprovecharla. Aunque, a diferencia de lo que ocurre cuando abrimos la aplicación del banco después de un festival, en este caso sí hay margen para corregir el rumbo.

En ese terreno se mueve Dennis Cruz, nombre artístico de Denis de Galdo Troyano, un DJ y productor madrileño que lleva años consolidando su posición en la escena electrónica internacional. Su sonido transita entre el house y el tech house, con bajos contundentes, percusiones y matices funk y latinos que dan personalidad a sus producciones. No hace falta conocer todos los subgéneros ni llevar gafas de sol dentro de una sala para disfrutarlo. Aunque siempre hay alguien dispuesto a mirarte como si acabases de suspender el acceso a Berghain por preguntar qué está sonando.

Su trayectoria se ha construido a través de producciones, sesiones y actuaciones en distintos puntos del circuito internacional. Un recorrido que le ha permitido desarrollar una identidad reconocible sin quedarse atrapado en una única fórmula. Porque encontrar un sonido que funciona ya tiene su mérito; conseguir que siga teniendo sentido después de años trabajando con él es otra historia. La electrónica está llena de gente que encuentra la gallina de los huevos de oro y decide ponerla a trabajar hasta que no puede más.

Volver a Madrid con un formato de estas características también tiene algo especial. No es lo mismo pasar por una ciudad para cumplir con un horario que disponer de toda una tarde para desarrollar tu propuesta ante un público que comparte ese espacio contigo. La relación con la música cambia cuando no tienes que estar pendiente de los relevos y puedes dejar que el set avance a su propio ritmo.

Además, empezar a las cinco de la tarde tiene una ventaja evidente: sobre el papel, parece el plan perfecto para cualquier adulto que intenta mantener una mínima estructura vital. Sales pronto, escuchas música, ves a tus amigos y vuelves a casa a una hora razonable. Incluso puedes engañarte pensando que el domingo te va a cundir.

El problema es que la palabra «razonable» cambia bastante cuando hay música de por medio. Lo que a las cinco parece una tarde tranquila puede acabar convirtiéndose en una negociación entre tu cuerpo, tu agenda y ese amigo que siempre dice «la última» con la misma credibilidad que un político en campaña.

Tampoco hace falta que la noche se tuerza para que el plan se alargue. A veces basta con estar a gusto, que suene algo que te gusta y que nadie tenga demasiadas ganas de irse. Y eso fue precisamente lo que ocurrió el sábado. En ese momento, todas las decisiones parecen buenas. Incluso pedir otra ronda cuando sabes que al día siguiente tienes cosas que hacer. El cerebro está de vacaciones, pero la alarma del lunes no ha recibido el comunicado.

En ese contexto, el formato All Day Long encaja especialmente bien. No obliga a vivir la música como una carrera entre artistas ni a consultar el horario cada veinte minutos. La propuesta gira alrededor de un solo nombre y deja que sea su selección la que marque el recorrido. Para el público, significa poder entrar en esa dinámica sin estar pendiente de lo que viene después; para el DJ, supone disponer del tiempo necesario para construir una sesión con calma, explorar diferentes registros y decidir hasta dónde quiere llevarla.

Que Dennis Cruz sea de Madrid es una buena forma de empezar esta historia, pero su trayectoria va mucho más allá de su lugar de origen. Su recorrido demuestra que desde la escena electrónica española también se construyen carreras con proyección internacional y propuestas capaces de encontrar su espacio fuera de casa.

Al final, cada formato tiene su gracia. Hay noches en las que apetece recorrer varias cabinas y otras en las que prefieres entregarte a una única propuesta. Lo importante es que la música tenga espacio y que el artista sepa qué hacer con él. Lo demás —la hora de vuelta, el último taxi o el mensaje del domingo preguntando quién tiene una chaqueta que no es suya— pertenece a otra sección de la cultura electrónica.

Porque Madrid no solo exporta cocido y chulería. También tiene artistas que llevan su sonido por medio mundo y que, de vez en cuando, vuelven a casa para demostrar que aquí también se juega en primera división electrónica.

Y si alguien te pregunta qué tal el plan, siempre puedes decir que era una tarde tranquila de música. Técnicamente, no estarías mintiendo.

“EL BUGG”, DE LOS TEMAS MÁS SENTIMENTALES AL JANGUEO

Lorena Galdón Elvira Olmos
Lorena Galdón y Elvira Olmos | 19 Oct, 2026.

Ayer nos fuimos hasta la Shoko para ver a El Bugg y, aunque al entrar la sala no estaba tan llena, en cuanto salió a cantar y de que me quise dar cuenta, ya veía las cabezas de la gente al final ocupándola entera. 

Desde el primer momento se notó que la peña venía con ganas, pero lo guay del concierto fue ver cómo fue evolucionando poco a poco. Empezó con un punto más sentimental y acabó convirtiéndose en una fiesta con toda la gente literalmente sin parar de moverse.

Una de las cosas que más me gustó desde el principio fue la estética del directo. El Bugg tiene una identidad visual bastante definida y eso se notó tanto en la puesta en escena como en los visuales que acompañaban cada canción. Durante la primera parte del concierto cantó detrás de estas proyecciones, que iban cambiando según el tema y que tenían un rollo bastante estético. Además, se veía muy presente la simbología de la cabra que está siendo como su sello últimamente, el cuál también se ve bastante en su merchandising nuevo. 

El concierto arrancó con canciones como la de con SUB21, uno de los primeros temas de la noche, y empezó con un comienzo algo más tranquilo y sentimental. Pero la cosa fue de menos a más y, poco a poco, empezaron a llegar canciones más movidas. Kvaller fue una de las que más ilusión me hizo en este primer tramo.A partir de ahí, empezaron a caer temas como Swiper No Robes, Switch y Esa gata me quiso cambiar, que consiguieron que el público se metiera aún más en el mood.

Pero uno de los puntos fuertes fueron, sin duda, las colaboraciones sorpresa. La aparición de El Guxo para cantar Rifle Talibán fue uno de los momentos más esperados, toda la sala se vino arriba y el tema se cantó prácticamente a gritos. También salió Chiche Malo para cantar Carita de BB, posiblemente el tema más pegado ahora mismo ya que se está escuchando ya bastante en las discotecas desde que salió. A esto se sumó la colaboración con Biberón, el cuál yo personalmente no conocía esta colabo pero me moló bastante el rollo.

Si que es verdad que una parte de mi tenía la pequeña esperanza de que una de las sorpresas fueran Israel B o TK Mami cantando las canciones de, “Los del Humo” y “Ojos de Ángel”, que sí que las canto (puntazo) pero en solitario. 

Y después de hacer literalmente a toda la sala no parar de moverse, tanto a los que estaban arriba como a los que estaban abajo cerró el concierto con uno de los temas más esperados y más famosos  “V. Ave María Outro”, otra de mis canciones favoritas. Y es que cuando empezaron a encenderse los flashes de los móviles y la sala entera acompañó el tema con los brazos en alto, se creó un ambiente súper íntimo. Después de todo el subidón que había habido durante el concierto, cerrar así le dió un toque bastante especial y que, personalmente, me pareció de lo mejor de la noche.

ASÍ ES LA PROPUESTA DE ELROW, BRUNCH ELEKTRONIK E INDUSTRY CITY X MONEGROS PARA LA NOCHE DE HALLOWEEN EN MADRID

Redacción
Redacción | 17 Oct, 2026.

La noche del 31 de octubre reunirá en Madrid cinco escenarios dedicados a diferentes sonidos de la electrónica, con una programación de más de 12 horas y decenas de artistas. Halloween Takeover Madrid celebrará su próxima edición en Iberdrola Music, donde espera congregar a más de 30.000 asistentes con elrow, Brunch Electronik e Industry City x Monegros al frente de la propuesta.

The Martinez Brothers, Maceo Plex, Kölsch, COLYN, DJ Gigola, Fátima Hajji, Marco Faraone, Chelina Manuhutu, ØTTA y Prada2000 figuran entre los principales nombres del cartel. La propuesta combinará house, tech-house, melodic techno y hard techno, con sesiones B2B y artistas como Manda Moor B2B Sirus Hood, Cruisy B2B Calussa y Render B2B Easttown, además de nuevas corrientes de la escena europea.

El evento reunirá por segunda vez a elrow y Brunch Electronik, tras su colaboración en Barcelona el pasado año, y contará también con Industry City x Monegros. Elrow trasladará a Madrid su universo visual Dance With The Serpent, creado junto al artista NYCHOS, con una producción inmersiva de 360 grados, performances e instalaciones visuales. Por su parte, Brunch Electronik dispondrá de una carpa con capacidad para 8.000 personas dedicada al techno y al melodic techno.

La propuesta de Industry City x Monegros llevará al recinto una estética industrial inspirada en el universo de Monegros Desert Festival, con containers, fuego y sonidos contundentes. El cartel se completa con La Plaza, en colaboración con Antídoto y con artistas como What So Not, Panteros666 y Ryota, y The Jail, un espacio de ambientación clandestina en el que actuarán, entre otros, Cortezz, Hadex, Javi Galán y Yins.

Halloween Takeover Madrid tendrá lugar en Iberdrola Music, en el distrito de Villaverde, con conexiones de Metro, Cercanías y autobús. La organización habilitará además puntos específicos para taxis y vehículos VTC, así como un mapa de movilidad para facilitar los desplazamientos entre escenarios y accesos. Con esta propuesta, el evento plantea una jornada que combina música, producción visual y distintos espacios dedicados a la cultura club.

Más información y entradas aquí.

EL FC BARCELONA VUELVE A LLEVAR LA CULTURA DE LA COLABORACIÓN AL SIGUIENTE NIVEL CON TYLER, THE CREATOR Y GOLF WANG

Redacción
Redacción | 15 Oct, 2026.

El fútbol y la moda llevan tiempo cruzando caminos, y la nueva colaboración entre Tyler, The Creator, el FC Barcelona y Spotify es otro ejemplo de ello. El artista estadounidense lleva el universo de GOLF WANG a la camiseta del Clásico contra el Real Madrid, que se disputará el próximo 25 de octubre.

El elemento más visible de esta alianza será la camiseta que vestirá el equipo azulgrana durante el partido. El habitual espacio reservado a Spotify en el frontal dará paso al logotipo de GOLF WANG, la marca fundada por el artista y una de las principales extensiones de su identidad creativa. La equipación se estrenará el 24 de octubre en el encuentro del Barça Femenino, antes de llegar al terreno de juego con el equipo masculino al día siguiente.

Más allá del cambio de imagen, la colaboración introduce una novedad en la relación entre Spotify y los artistas invitados a intervenir en la camiseta del club: Tyler asume la dirección creativa de la campaña gráfica y audiovisual que acompaña al lanzamiento. Una forma de trasladar su lenguaje visual a una colaboración que no se limita al terreno de juego.

La propuesta también se extiende a la moda con una colección cápsula desarrollada junto a Nike, FC Barcelona y GOLF WANG. La línea reúne prendas que conectan la estética deportiva con los códigos de la marca estadounidense, entre ellas chaquetas de inspiración universitaria, conjuntos deportivos, camisetas, sudaderas, pantalones cortos y equipaciones de aire vintage. La selección se completa con accesorios como bufandas, gorros, calcetines, botellas y balones.

El lanzamiento incluye, además, varias ediciones especiales de la camiseta. Entre ellas destaca una tirada de 1.899 unidades en versión Match, una referencia al año de fundación del FC Barcelona. A esta edición se suman 22 camisetas firmadas por los titulares de los equipos masculino y femenino, además de otras 11 con la firma del propio Tyler.

La música tendrá también su espacio en la presentación del proyecto. El 24 de octubre, Barcelona acogerá Copa De Golf, un evento impulsado por Spotify que reunirá a artistas, seguidores y representantes de la escena local en torno a la unión entre fútbol, moda y música. La programación contará con Yung Taco al frente de la sesión principal como DJ, acompañado por Bexnil, Alu Nuenga, Duna y Mushkaa.

Con esta colaboración, Tyler, The Creator traslada parte de su universo creativo a uno de los escaparates más visibles del fútbol internacional. Una alianza que convierte la camiseta del Clásico en el punto de encuentro entre dos mundos y amplía la colaboración hacia otros formatos, desde la ropa hasta la dirección artística.

ASÍ FUE LA PRIMERA TRILOGÍA DE CODE EN FABRIK

Lorena Galdón
Lorena Galdón | 14 Oct, 2026.

Tres días después, con mucha resaca emocional, con la necesidad de unas piernas nuevas y con todavía mucho que asimilar, toca contar cómo fue esta primera trilogía de CODE.

Y es que si algo tenía claro antes de ir es que me iba a resultar difícil ver a todos los artistas el tiempo que me habría gustado. Y así fue. La primera fecha de esta trilogía, con la que CODE celebra su 23 aniversario, llegó a FABRIK con un cartelazo y, entre las ganas de ver a unos, los horarios que se pisaban y las veces que acabas quedándote en una sala más de lo que tenías pensado, la noche se pasó más que volando.

Con un cartel de más de 25 artistas repartidos por las distintas salas, imagínate. FJAAK, Clara Cuvé, Cera Khin, SPFDJ, Daria Kolosova, Chris Liebing… Y por si fuera poco, también teníamos a míticos como Kevin Saunderson y Derrick May.

Literalmente quería estar en todos lados, pero lo que sí tenía claro es que no podía perderme los sets de Alba Franch (a la que no paramos de ver cada vez en más carteles de fiestas y festivales, y por aquí estamos más que contentos), Clara Cuvé y César Almena, aunque siendo totalmente realista, los dos platos fuertes de esta CODE fueron Klangkuenstler en la Main y KUKO en el Hangar, con su All Night Long World Tour de UNREAL.

Era la primera vez que veía a Klangkuenstler en directo y, después de tanto verlo en las rrss, confirmé lo que ya me esperaba. Entre la música del set, los láseres, los efectos y toda la energía de la gente, consiguió crear una experiencia en la que desde el minuto uno estabas completamente dentro, haciendo que el tiempo se pasara volando y te quedaras con ganas de mucho más. Tanto que literalmente una se está planteando ir a su próximo ANL vamos.

Y es que era tantísima gente la que había, que llegó un momento del set en el que tuvieron que cortar el acceso y por eso algunas personas tuvieron la mala suerte de tener que quedarse fuera. Así que, si fuiste uno de ellos, mi consejo es que vayas 40 min antes de algún set que te guste a coger un buen sitio (lo digo por experiencia).

Y es que, una vez más, el sábado nos encontramos con una CODE ofreciendo uno de esos carteles que molan, con una variedad de música para todos los gustos, algo a lo que también estamos bastante acostumbradas a ver en otros eventos de FABRIK. Una noche en la que, como me pasa muchas veces cuando voy, acabo descubriendo artistas que no tenía tan fichados y que hacen que me quiera quedar mucho más en otras salas. Y, cómo no, la mayoría de veces en la sala KRYSTAL, mi favorita sin duda.

Y después de 23 años, está claro que la CODE y FABRIK siguen siendo referentes dentro de la música electrónica. Al final, mantenerse ahí durante tanto tiempo y seguir reuniendo carteles de este nivel, con artistas de distintas generaciones y estilos, dice bastante.

Por aquí una ya está contando los días para la siguiente, y es que este 14 de noviembre vuelve con su segunda fecha, con nombres como Alienata, Héctor Oaks, Efdemin, Marcal y muchos más. Pero claro, por si parecía poco, también podemos saber los primeros nombres confirmados de la tercera el 5 de diciembre como por ejemplo el de Cloudy, Ben Sims y Chlär y otros más… aunque por aquí nos olemos más sorpresas :p

MARÍA ESCARMIENTO CONVIERTE LA SALA APOLO EN UNA FIESTA CON EL UNIVERSO DE FOREVER

Mire Berenguer Lianne González
Mire Berenguer y Lianne González | 14 Oct, 2026.

El pasado viernes, María Escarmiento aterrizó en la Sala Apolo de Barcelona con un directo cargado de energía, actitud y una propuesta que convirtió la sala en una auténtica fiesta. Acompañada por el DJ Vau Boy, la artista repasó su álbum FOREVER sin olvidarse de los temas que han marcado sus anteriores etapas, en un concierto que reivindicó su particular manera de entender el pop.

El show arrancó con «DOPE FOREVER», una declaración de intenciones que marcó el ritmo de lo que estaba por venir. A partir de ahí, María desplegó un repertorio que combinó los temas de su último álbum con canciones anteriores, conectando diferentes momentos de su trayectoria y demostrando que su universo musical sigue creciendo sin perder su esencia.

La complicidad con Vau Boy fue una de las claves de la noche. Entre bases electrónicas, actitud y una energía que no dio tregua, ambos construyeron un directo pensado para bailar, cantar y dejarse llevar. Lejos de limitarse a presentar un disco, María convirtió el concierto en una celebración de su identidad artística.

Uno de los momentos destacados llegó con la aparición de Fran Laoren, que se sumó al espectáculo. También se esperaba la presencia de Julieta, aunque finalmente no pudo acudir al show. Su ausencia dejó pendiente una colaboración que habría añadido otro momento especial a la noche.

El concierto también tuvo espacio para mirar hacia los vínculos de María con otros nombres de la escena. Las referencias a Delgao y temas como «Miau», de Sensación de calor 2, o «¿Xq tan wapa tú?», ampliaron el recorrido musical y recordaron las conexiones que se tejen dentro de una generación de artistas que juega con los límites del pop, la electrónica y los nuevos sonidos urbanos.

Con FOREVER como hilo conductor y un repertorio que miró tanto al presente como a sus etapas anteriores, María Escarmiento firmó en Apolo un concierto directo, desenfadado y sin complejos. Una noche que confirmó que su propuesta funciona especialmente bien sobre el escenario: cuando las canciones dejan de pertenecer únicamente al disco y se convierten en una fiesta compartida.

AGORAZEIN RESCATA LA HISTORIA DE ‘SIEMPRE’ EN UN LIBRO Y UNA POP-UP EN MADRID

Verónica Blay
Verónica Blay | 09 Oct, 2026.

Diez años después de ‘Siempre’, Agorazein vuelve a abrir las puertas de aquel universo que marcó un antes y un después en la música urbana española. Antes de regresar a los escenarios para celebrar el aniversario del disco, AGZ prepara una pop-up exclusiva en Madrid los días 17 y 18 de octubre.

El encuentro tendrá lugar en Espacio V22, donde el colectivo formado por C. Tangana, Sticky M.A., Jerv.AGZ, I-Ace y Fabianni reunirá distintos materiales relacionados con la etapa de ‘Siempre’: fotografías inéditas, documentos visuales y merchandising creado especialmente para esta celebración. La propuesta busca funcionar como una cápsula del tiempo para volver a mirar una década atrás y reencontrarse con el universo del disco.

Pero el gran protagonista de la pop-up será ‘Para Siempre’, un libro autoeditado por AGZ y publicado en una tirada limitada. La obra recorre la historia del colectivo a través de imágenes inéditas de aquella época, convirtiéndose en una pieza de archivo para quienes quieran conservar una parte del universo de ‘Siempre’.

El proyecto recupera así una etapa fundamental para entender la trayectoria de Agorazein y una escena que, diez años después, continúa teniendo influencia. Porque si algo caracteriza a AGZ es precisamente su capacidad para permanecer: ‘Siempre’ sigue siendo un punto de referencia y su imaginario continúa presente una década después.

La pop-up será la antesala del regreso de Agorazein a los escenarios. El colectivo celebrará su décimo aniversario con cuatro conciertos en el Movistar Arena de Madrid los días 15, 16, 17 y 18 de noviembre de 2026. Las dos primeras fechas ya han colgado el cartel de entradas agotadas, mientras que todavía quedan entradas para los conciertos del 17 y 18 de noviembre.

 

5 SETS DE WHAT MAGAZINE PARA ESCUCHAR ESTE FIN DE SEMANA

Redacción
Redacción | 09 Oct, 2026.

El fin de semana es una buena oportunidad para descubrir nuevos sonidos y explorar diferentes formas de entender la música electrónica. En WHAT MAGAZINE reunimos cinco sets de nuestro Mix Series que recorren distintas vertientes del house, desde propuestas marcadas por la contundencia y el ritmo hasta mezclas que apuestan por la continuidad y la profundidad sonora.

KTK, Adrian Roman, KRACKK, Tommy Gold y Kanykei firman cinco propuestas con personalidad propia, disponibles en SoundCloud y definidas por sus protagonistas con una palabra que resume la esencia de cada set.

 

KTK
Velocidad, intensidad y dinamismo definen el set de KTK, una mezcla que apuesta por mantener el movimiento de principio a fin. La DJ resume su propuesta con el término "Trippy", que acompaña el carácter envolvente y la energía de su selección.

 

ADRIAN ROMAN
Adrian Roman se aleja de los cambios bruscos para desarrollar un recorrido sostenido, en el que el avant-garde house avanza de forma orgánica. Una propuesta que prioriza la continuidad y la construcción sonora, definida por el artista como "Línea, continua".

 

KRACKK
La contundencia marca el punto de partida de la propuesta de KRACKK, que encuentra en las melodías el contrapunto perfecto para construir un recorrido con diferentes capas sonoras. Un set que combina fuerza y profundidad y que la artista define como "Con acordes".

 

TOMMY GOLD
Tommy Gold apuesta por una lectura del house directa y dinámica, con una selección fresca en la que el ritmo lleva el hilo conductor. Una propuesta que refleja su manera de entender el género y que el propio artista define como "Personal".

 

KANYKEI
El house toma una dirección fluida en manos de Kanykei, que construye una mezcla marcada por el movimiento y una progresión constante. Su propuesta se adapta a diferentes momentos y contextos de escucha, manteniendo ese carácter que la artista resume con la palabra "Seductor".

 

Estos sets y muchos otros están disponibles en nuestro canal de SoundCloud, donde puedes descubrir todas las entregas de nuestro Mix Series y encontrar nuevos sonidos para acompañar el fin de semana.

WHAT MIX: KANYKEI

Redacción
Redacción | 08 Oct, 2026.

Ella lo define como: "Seductor"

TEE MANGO – What Hate Does To The Heart
Red Axes – Red Box
HVED – Transmission
N'Pot & G-Falex – Conversation Lip
Daniel Meister – Thrills
Omeria – Denneboom (Unus Emre Remix)
Godash – Micro Kid
Javier Ferreira – Mercury (Pinto Remix)
Match Box & Mixolydian – Just Like
Route 8 – Faith In The Rave
Vanessa da Mata & Ben Harper – Boa Sorte (Rockin Moroccin Edit)

 

5 JOYAS QUE ESCONDE LA PRÓXIMA CODE (MÁS ALLÁ DE SUS HEADLINERS)

Redacción
Redacción | 07 Oct, 2026.

El próximo 14 de noviembre, CODE volverá a tomar FABRIK con motivo de su 23.º aniversario. Una cita que reúne nombres como Héctor Oaks, Onlynumbers, Rebekah, BIIA o Paolo Ferrara, pero cuyo cartel esconde mucho más allá de sus nombres principales.

Entre las diferentes propuestas encontramos artistas que representan algunas de las líneas más interesantes del techno actual, nombres con una identidad muy marcada y diferentes generaciones de la escena. Rebecca Delle Piane, Insolate, Blanka, Grace Dahl, The TuneGirl y Polygonia son algunos de ellos y forman parte de una programación que merece ser explorada más allá de sus headliners.

Rebecca Delle Piane e Insolate
Uno de los encuentros más interesantes de esta CODE será el B2B entre Rebecca Delle Piane e Insolate, que se producirá por primera vez en una sala. Dos nombres con una identidad muy marcada dentro del techno compartirán cabina en una combinación que promete ser uno de los momentos a tener en cuenta de la noche. Su presencia se suma a una programación en la que también aparecen artistas como Freddy K, David Meiser, Alienata o Cravo.

Blanka
La nueva generación del techno también tiene una representación clara en esta edición. Blanka es uno de esos nombres que han ido ganando presencia dentro del circuito gracias a una propuesta que conecta con algunas de las vertientes más actuales del género. Su presencia junto a Grace Dahl y Marcal refuerza precisamente esa apuesta por artistas que están definiendo hacia dónde se mueve el techno.

Grace Dahl
Otro de los nombres a seguir es Grace Dahl. Su progresiva consolidación dentro del circuito internacional la ha convertido en una de las artistas que mejor representan el presente del techno. En esta CODE compartirá cartel con nombres de diferentes generaciones, formando parte de una programación que no entiende el género como algo estático, sino como un territorio en constante evolución.

The TuneGirl
Uno de los debuts más particulares de esta edición será el de The TuneGirl. La artista se convirtió en una de las grandes sorpresas de la pasada edición de Awakenings Upclose gracias a un directo modular que terminó haciéndose viral. Su llegada a FABRIK será uno de los tres debuts dentro del apartado techno, junto a Polygonia y Efdemin, y añade una propuesta especialmente singular a la programación.

Polygonia
También será una oportunidad para descubrir en directo a Polygonia, que se estrenará en CODE junto a Efdemin. Su incorporación amplía todavía más el espectro techno de una noche que apuesta por reunir artistas con recorridos, sonidos y sensibilidades muy diferentes.

Más allá de los grandes nombres, esta nueva CODE vuelve a construir un cartel en el que merece la pena detenerse en los detalles. Cinco nombres que quizá no ocupen la parte más grande del póster, pero que pueden terminar siendo algunos de los descubrimientos de la noche.

Más información y entradas aquí.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por CODE Official (@codebyfabrik)

IN CONVERSATION: DAVID NUS

Redacción
Redacción | 07 Oct, 2026.

Salir de los formatos convencionales y explorar nuevas formas de entender los eventos de música electrónica ha marcado el recorrido de BSMT LIVE desde sus comienzos. Una filosofía que David Nus, ha desarrollado a través de diferentes espacios, formatos y propuestas, buscando que cada cita tenga una identidad propia.

Con motivo del nuevo ciclo de seis eventos que BSMT LIVE prepara para los próximos meses, hablamos con David sobre el origen y la evolución del proyecto, la importancia de los espacios y la producción y su visión sobre el futuro de la escena electrónica en Madrid.

¿Cómo nace BSMT LIVE y qué idea hay detrás de crear este proyecto dentro de la escena electrónica?
BSMT LIVE nace con la idea de crear eventos en espacios totalmente diferentes a los habituales y tratar de hacer algo distinto a lo que se estaba haciendo en Madrid. Nos apetecía salir del concepto tradicional de club/festival y explorar localizaciones que nos permitieran transformar cada evento y generar una experiencia diferente.

Nos inspiramos mucho en lo que ocurre en ciudades como Nueva York o Ámsterdam, donde es habitual encontrar propuestas de música electrónica en espacios inesperados y con una identidad muy marcada. Queremos trasladar parte de esa filosofía a Madrid, pero construyéndola a nuestra manera y adaptándola a la ciudad.

La idea es que el espacio también sea protagonista. Que cada edición de BSMT LIVE pueda llevarte a un lugar diferente y que esa localización, junto con la música, la producción y el público, haga que cada evento tenga una personalidad propia.

BSMT LIVE va a desarrollar un ciclo de eventos durante estos últimos meses del año. ¿Qué queréis explorar con esta primera etapa y qué papel juega dentro de la visión global del proyecto?
Realmente no hablamos de una primera etapa, porque BSMT LIVE nació hace ya varios años y desde entonces hemos desarrollado eventos de formatos muy diferentes, como Outworld, Music On o, hace apenas unas semanas, LAP57. Además, bajo la marca y en formato club hemos trabajado con artistas como Peggy Gou, Laurent Garnier, PAWSA, Charlotte de Witte o Joseph Capriati.

En este mismo recinto ya hicimos GOLFOS en marzo de este año y el resultado fue espectacular. Precisamente esa experiencia fue la que nos impulsó a plantear ahora un ciclo de seis eventos. Vimos que era un espacio que funcionaba muy bien tanto por su cercanía y comodidad para el público de Madrid como por las posibilidades que nos ofrecía a nivel de producción, donde pudimos desarrollar un espectáculo audiovisual muy potente.

Este ciclo supone dar continuidad a todo ese recorrido, pero concentrándolo por primera vez en un mismo espacio y durante varios meses. Queremos aprovechar estas seis fechas para seguir explorando las posibilidades del recinto, llevar propuestas diferentes a cada evento y demostrar que un mismo espacio puede transformarse completamente dependiendo del artista, la producción y el concepto de cada fecha.

Más allá de los artistas y las fechas, ¿qué elementos queréis que definan la experiencia de BSMT LIVE y qué identidad buscáis construir con cada evento?
Para nosotros es importante que cada evento tenga una identidad propia y que la experiencia vaya mucho más allá del cartel. Evidentemente, el artista es una parte fundamental, pero queremos que desde que entras al recinto notes que hay un concepto detrás de todo lo que está pasando.

La producción audiovisual juega un papel muy importante. Nos gusta trabajar el sonido, la iluminación, las pantallas y todos los elementos visuales para intentar transformar el espacio en cada fecha y adaptarlo al artista y al tipo de música que vamos a presentar.

Al final buscamos que BSMT LIVE tenga una identidad reconocible, pero sin que eso signifique repetir siempre la misma fórmula. Queremos tener la libertad de cambiar de registro, de producción e incluso de espacio, y que precisamente esa capacidad de hacer cosas diferentes sea una de las señas de identidad del proyecto.

 

La programación de BSMT LIVE reúne diferentes artistas, estilos y propuestas. ¿Cómo planteáis la selección de los nombres y qué nexo de unión existe entre ellos y el concepto del proyecto?
La verdad es que no nos cerramos a un estilo concreto. Nos gusta poder traer artistas y propuestas diferentes y que cada evento tenga su propio rollo.

A la hora de elegir los nombres buscamos artistas que tengan personalidad, que nos gusten y, sobre todo, que pensemos que pueden funcionar dentro del concepto de BSMT LIVE. Un día podemos tener una propuesta más techno, otro algo más house o un sonido completamente diferente.

Un claro ejemplo es el próximo ciclo de Lenovo, donde puedes encontrarte nombres que van desde Chris Stussy, Dennis Cruz o Dixon, hasta una propuesta tan especial como The Blaze, o llegar a sonidos mucho más duros de la mano de Teletech. Son propuestas muy diferentes entre sí, y precisamente eso es algo que nos gusta y que queremos que forme parte de BSMT LIVE.

Al final, el nexo de unión no tiene por qué ser el estilo musical, sino nuestra forma de plantear el evento. Queremos tener esa libertad y que la gente entienda que en BSMT LIVE puede encontrarse cosas diferentes, pero siempre con un nivel de producción y una experiencia que identifique al proyecto.

Mirando hacia adelante, ¿qué recorrido queréis que tenga BSMT LIVE y qué os gustaría que representase dentro de la escena electrónica en los próximos años?La idea es seguir creciendo poco a poco y, sobre todo, seguir haciendo cosas que nos motiven. Queremos continuar buscando espacios diferentes, traer artistas que nos apetezca ver dentro del concepto de BSMT LIVE y poder ir probando nuevos formatos.

Para nosotros también es muy importante crear sinergias con otras marcas y proyectos. Nunca nos ha gustado verlo como una competición; al contrario, creemos que cuando te juntas con gente que comparte inquietudes y cada uno aporta lo suyo, al final todo suma y pueden salir cosas mucho más interesantes. Siempre hemos sido partidarios de colaborar, compartir ideas y crear cosas juntos.

No queremos ponernos un límite ni pensar únicamente en hacer más fechas. Preferimos que cada paso tenga sentido y que cada evento aporte algo diferente. Si además podemos seguir encontrando localizaciones especiales en Madrid y, por qué no, llevar BSMT LIVE a otras ciudades en algún momento, sería increíble.

De cara a los próximos años, nos gustaría que BSMT LIVE se convirtiera en una marca reconocible dentro de la electrónica, donde la gente no solo mire quién está en el cartel, sino que también tenga curiosidad por saber dónde va a ser, qué vamos a montar y qué experiencia se va a encontrar.