Si nos planteamos los orígenes del género y hacemos un ejercicio de memoria para después analizar un poco el panorama actual vemos que ha cambiado bastante, y no la música en sí que, obviamente, ha seguido su evolución natural, si no el contexto socio cultural.
Desde la cuna del techno, en Detroit, llegaba un estilo futurista, rompedor, con la influencia de esa juventud hacinada entre fábricas y que desfogaba en clubs undergrounds. Aún así eran un grupo bastante reducido de oyentes, con una estética muy definida, podríamos decir que una auténtica tribu urbana. Sin embargo, si levantamos la vista ahora, o más bien, abrimos Instagram, los seguidores de estos ritmos alcanzan un abanico gigantesco y es que nos guste o no, ahora mismo, el techno es mainstream. Hasta los festivales más poperos no dudan en cerrar sus grandes noches con techno.
Por una parte, es maravilloso poder disfrutar de tantos festivales con tan buenos artistas, una oferta que cada día crece más y es más variada sin que, por lo general, la calidad decaiga, los hay más puristas, o menos, pero se siguen unas bases. Y esto genera más oportunidad para gente que está empezando en este mundo.
De otra, nos permite que, al alcance de nuestra economía, podamos ver de cerca verdaderos iconos o mitos, hasta a algunos de los que le dieron forma al género, ya que incluso discotecas de nuestra ciudad nos brindan increíbles dj sets.
A la vez, es curioso y extraño, que un género que antes levantaba tantas ampollas, por su halo de oscuridad, al que se le relacionaba con el consumo de sustancias, con las fiestas de horas y horas, ahora sea lo que más vende. Quizá por la romantización de las drogas (gracias a series como Euphoria o Breaking Bad) o quizá vivimos tiempos realmente convulsos en los que necesitamos música que nos haga sentir el beat en nuestro estómago.
Pero… ¿No pierde un poco la gracia? Llamadme romántica pero dónde queda esa sensación de adentrarte en un club subterráneo, en el que es imposible hablar o ver más allá de tu pie, donde el dj está a tu altura pero se le respeta tanto que eso no es un problema.
No sabemos qué pensarán The Belleville Three pero por aquí donde se ponga un buen antro que se quiten festivales enla playa. Y vosotros, ¿qué preferís?.
El diálogo entre música, moda y diseño se ha vuelto uno de los movimientos más potentes de la cultura contemporánea. Cada lanzamiento, cada colaboración, deja pistas sobre hacia dónde se dirige la creatividad global y cómo se cruzan distintas disciplinas para generar nuevas narrativas.
Para una marca que basa su prestigio en la artesanía y la ingeniería de sus siluetas, sumar a Rosalía supone un diálogo creativo con una figura que también trabaja desde la raíz, pero siempre con mirada contemporánea. La colaboración surge del respeto por la herencia, pero con una ambición clara: transformar lo clásico en algo nuevo.
El primer resultado tangible de esta colaboración son las 204L, reinterpretadas sin perder su esencia. La silueta conserva su carácter nostálgico, reconocible al instante, pero incorpora detalles que marcan una visión moderna: bordes tratados con cuidado, cordones de cinta y una paleta contenida que se integra en cualquier armario y conecta con el universo visual de Rosalía.
La fotógrafa Renell Medrano, colaboradora habitual de la marca, firma la campaña visual. Su mirada cruda y sofisticada transforma la sneaker en un objeto escultórico: costuras, texturas y estructuras se muestran con detalle, como si cada par fuera un estudio de forma y función. Entre estética callejera y lenguaje de moda, las imágenes transmiten la esencia técnica y artística del diseño.
Las nuevas New Balance 204L ya están disponibles en la tienda online de la marca y en puntos de venta seleccionados a nivel internacional. Este primer lanzamiento anticipa un camino creativo que promete explorar nuevas fronteras entre música, diseño y cultura urbana, demostrando que cuando tradición e innovación se encuentran, el producto deja de ser solo un objeto para convertirse en experiencia cultural.
La zapatilla ya esta disponible aquí y en tiendas seleeccionadas.
Del 18 al 21 de junio, Barcelona volverá a situarse en el epicentro internacional de la cultura electrónica con la celebración de Sónar Week 2026, una edición que amplía su perímetro y activa la ciudad de extremo a extremo.
El ecosistema formado por Sónar, OFFSónar, Sónar+D, Sónar District y Sónar Kids ocupará espacios estratégicos como Fira Gran Via, Poble Espanyol, Llotja de Mar y Parc del Fòrum, reforzando su carácter transversal entre música, tecnología, creatividad y cultura digital.
La programación musical de Sónar 2026 reúne nombres clave del circuito global como The Prodigy, Kelis, Skepta, Charlotte de Witte, Amelie Lens, Dom Dolla, Modeselektor, Cabaret Voltaire, SBTRKT, Goldie, Nia Archives, Joy Orbison y Daniel Avery, entre otros. Una combinación que articula referentes históricos, figuras consolidadas y nuevas generaciones que están reformulando el lenguaje de club desde múltiples geografías.
En paralelo, OFFSónar volverá a activar los tres espacios de Poble Espanyol con algunas de las propuestas más influyentes del panorama electrónico contemporáneo. Entre ellas, Rampa y Adam Port —miembros de Keinemusik—, Adriatique, Mau P, Maceo Plex, Mochakk, Fuse London y el cierre dominical firmado por elrow. Varias de estas citas ya han agotado entradas, confirmando la presión de demanda que acompaña a la semana grande de la electrónica en la ciudad.
Uno de los movimientos estratégicos de esta edición es el traslado de Sónar+D a la Llotja de Mar, en pleno centro. Concebido como eje vertebrador de la semana, el congreso adopta un formato renovado con entradas independientes, ampliando su acceso a comunidades creativas y nuevos públicos. Charlas, debates, instalaciones y un espacio expositivo interactivo articularán un programa centrado en los cruces entre arte, tecnología y creatividad digital, con presencia también en Fira Gran Via durante los días de festival para reforzar el diálogo entre pensamiento y experiencia sonora.
El regreso de Sónar Kids marca otra de las líneas de expansión de 2026. Integrado dentro de Sónar District, el programa familiar ocupará el Parc del Fòrum el sábado 20 de junio, proponiendo un entorno adaptado para introducir a los más pequeños en la experimentación sonora y artística. Sónar District completará su programación con eventos como Solid Grooves y las propuestas lideradas por Joseph Capriati y Josh Baker, extendiendo la actividad musical hacia la fachada marítima y ampliando el mapa sonoro de la semana.
Con más de tres décadas de trayectoria, el proyecto nacido en Barcelona se consolida como un ecosistema cultural en expansión, capaz de integrar música avanzada, cultura digital, innovación tecnológica y experiencias intergeneracionales en un mismo marco urbano. Durante cuatro días, la ciudad no solo acoge un festival: activa un laboratorio global de creatividad contemporánea.
Agenda Sónar Week 2026
Jueves 18 de junio
Sónar+D | 10:00 a 20:00 | Llotja de Mar
Sónar | 17:00 a 03:00 | Fira Gran Via · OFFSónar - Rampa & Adam Port | 17:00 a 02:00 | Poble Espanyol - Plaza Mayor | SOLD-OUT
OFFSónar - Baddest Behaviour x Mau P | 17:00 a 02:00 | Poble Espanyol - Monasterio
OFFSónar - Lone Romantic by Maceo Plex | 17:00 a 02:00 | Poble Espanyol - Carpa & Picnic
Viernes 19 de junio
Sónar+D | 10:00 a 20:00 | Llotja de Mar
Sónar | 17:00 a 07:00 | Fira Gran Via
Sónar District - Solid Grooves | 14:00 a 23:00 | Parc del Fòrum
OFFSónar - X by Adriatique | 17:00 a 02:00 | Poble Espanyol
Sábado 20 de junio
Sónar District - Sónar Kids | 11:00 a 20:00 | Parc del Fòrum
Sónar | 17:00 a 07:00 | Fira Gran Via
Sónar District - Joseph Capriati presents Metamorfosi | 14:00 a 23:00 | Parc del Fòrum
Sónar District - You&Me by Josh Baker | 14:00 a 23:00 | Parc del Fòrum
OFFSónar - Mochakk Calling | 17:00 a 02:00 | Poble Espanyol - Plaza Mayor
OFFSónar - Fuse London | 17:00 a 02:00 | Poble Espanyol - Monasterio y Carpa & Picnic | SOLD-OUT
Hace un año atrás, la emblemática casa de lujo Gucci anunció una noticia que dejó al conglomerado de moda boquiabierto: Demna Gvasalia se consagraría como nuevo director creativo de la firma italiana. Comparando los antecedentes del diseñador en Balenciaga y Vetements, junto con el Gucci de Alessandro Michele, que se mantuvo impreso en nuestra mente durante todos estos años, este dúo de mundos contradictorios parecía casi imposible de fusionar. Pero el 27 de febrero de 2026, mientras el mundo entero presenciaba el primer show de Demna para Gucci en el Palazzo delle Scintille, esta unión comenzó a cobrar sentido.
La atmósfera de la pasarela era tenue, vibrante y absoluta, en un espacio que parecía extraído directamente de un museo. Todo permanecía en las tinieblas, excepto por la luz que delimitaba el camino de los modelos, quienes acabaron de darle vida a la imagen del georgiano para el futuro del lujo.
“Gucci es drama, pasión, exceso, contradicción, amor y odio, triunfo y caída, orgullo y vulnerabilidad, perseverancia, caos, genialidad. Todo lo que se puede decir de un ser humano se puede decir de Gucci. Veo a Gucci como una persona. Alguien con un pasado salvaje e inolvidable y códigos inconfundibles”, compartió el creativo en un post antes de presentar esta nueva era, que busca explorar ese lujo desenfrenado que tanto deseamos. Y la actitud en la pasarela lo vendía por completo: caminatas con potencia e intención, con gestos que gritaban “no tengo idea a dónde estoy yendo, pero me veo increíblemente bien haciéndolo”. Era una caminata magnética y firme en toda regla.
A caras lavadas de color, pómulos prominentes y maquillajes grunge intensos que fortalecían la mirada, la estética física concordaba plenamente con la estética de la colección. En el conjunto de prendas ceñidas, con algunos trajes más holgados de forma proporcionada, cada corte y silueta era minimalista pero sensual. Predominaba lo atrevido y glamuroso, desde las prendas más diarias hasta los vestidos de noche que brillaban ardientemente. Pantalones ajustados de tiro bajo en mujeres contrastaban con los de tiro alto en hombres; chaquetas de cuero estructuradas afinaban el cuerpo; mini vestidos transparentes abrazaban las caderas delgadas (un punto que fue sumamente controversial sobre la regresión de los cuerpos diversos).
¿Y dónde identificamos a Gucci más específicamente? En la clásica franja verde y roja que adornaba los costados de pantalones y cinturones, además del célebre logo GG en medias, riñoneras y gorras.
Fue una reverencia a la era Tom Ford de 1995 a 1997, donde el antes y el ahora coexisten en la imagen poderosa y provocadora. También destacó la performance: uno de los modelos, a mitad de pasarela, se detuvo a revisar su celular para después continuar como si nada – actualidad en su máxima expresión. Entre los perfiles que desfilaban se encontraba la élite de la cultura pop contemporánea: Emily Ratajkowski, Karlie Kloss, Gabriette, Alex Consani y Mariacarla Boscono eran algunos de los más reconocidos.
Pero la cereza del pastel, que cerró tanto la pasarela como una era de nostalgia para los consumidores de moda de los 90, fue Kate Moss, quien dio por finalizado el show con un vestido negro largo, brillante, de espalda descubierta que revelaba una tanga con el logo de Gucci. Ella es la definición de ferocidad y feminidad hecha persona.
Está claro que Demna es experto en movilizar a la sociedad y hacer que la conversación gire. En el ambiente creativo, el diseñador aprovechó la rica herencia de Gucci tanto para sus colecciones previas – La Famiglia y Generation Gucci – como para Primavera, inspirado también en la obra clásica de Botticelli. Pero lo que está haciendo ahora es jugar con su mayor estrategia, que bien le ha funcionado anteriormente: crear primero una identidad visible y fuerte para revitalizar una firma, con el objetivo de eventualmente rectificar las ventas. Como toda marca de lujo, el negocio es la base principal de sus creaciones, pero primero Demna busca conectar con el consumidor actual a través del deseo de “sentirse Gucci”. Y esta colección es, sin duda, una nueva conversación, un esquema ligero y audaz, un amor por la moda e incluso por lo insensato: un Gucci total.
Que Madrid está de moda no es secreto para nadie, y si no que se lo pregunten a los expats que han invadido la ciudad de Fuencarral a Cuatro Caminos. De todas formas, tengo que romper una lanza a su favo, que bastante se les critica ya por los estragos que están haciendo a nuestra economía: si fuese ellos, yo también quedaría prendado de la esencia de esta ciudad, de su casticismo.
Si por algo se caracterizan los barrios de la capital de nuestro país es, sin lugar a duda, por su hostelería. No hablamos precisamente de los restaurantes fusión ni la Guía Michelín, sino de sus establecimientos de toda la vida, los de vermú, pincho de tortilla y bocadillo de calamares, y eso, por mucho que el tiempo pase, las calles se modernicen y el matcha sustituya a la sobremesa y el café, no cambia. Quizá se reinventa.
Los locales de moda son, precisamente, los que beben de la esencia madrileña. El fin de semana perfecto se resume en un viernes noche de Casa Pepa, una comida de resaca en La Carmencita, un vermú en el rastro y un tardeo en Gilda Haus, resistiéndonos lo máximo posible a volver al ritmo de los lunes de oficina. Para los más tradicionales aún quedan la Taberna Antonio Sánchez –pionera en la ciudad– o Casa Labra, pero que nos digan ahora que la época dorada de las fachadas rojas fue en el siglo XIX.
Tal y como antaño, todos estos sitios siguen siendo un lugar de encuentro para los que hacemos vida aquí, una especie de resistencia a los terceros espacios en los que se nos reitera que tenemos que vivir. El grifo de cerveza chorreando, los encurtidos que la acompañan y las terrazas al sol de mayo en pleno San Isidro mientras las chulapas pasean de arriba a abajo también están hechos para el feed, y si no lo estuviesen eso incluso nos dignificaría más.
No nos las queremos dar de puritanos –yo el que menos, que siempre estaré dispuesto a pagar de más por un café de especialidad– pero desde WHAT FOODIE no podíamos dar el pistoletazo de salida de otra forma que no fuese celebrando quiénes somos y de dónde venimos. Ya habrá tiempo para poner a prueba nuestro paladar con moderneces.
GOSPEL ESTUDIOS: "EL PROYECTO SURGIÓ DE UN SENTIMIENTO DE HARTAZGO Y FRUSTRACIÓN CON EL PANORAMA DE LA MODA, LAS DINÁMICAS DE LA INDUSTRIA Y MUCHAS GANAS DE HACER ROPA QUE NOS GUSTASE A NOSOTROS"
Comenzamos una nueva etapa en WHAT MAGAZINE y lo hacemos con un reportaje que llevábamos mucho tiempo persiguiendo. Teníamos ganas de conocer más en profundidad a Gospel Estudios, no solo por lo que representan dentro del panorama actual, sino por la coherencia con la que han construido su proyecto desde el primer día.
La marca nace del cansancio con determinadas dinámicas de la industria. Impulsado por Horacio González y Héctor Bellerín, el proyecto plantea una forma distinta de entender la moda: menos pendiente del calendario y más centrada en el proceso, en los sistemas y en la duración real de las prendas. Conceptos como Not-Ready-to-Wear o Dependent Brand no funcionan como eslóganes, sino como una estructura desde la que tomar decisiones.
Abrimos esta nueva era poniendo el foco en un proyecto que apuesta por hacer las cosas de manera diferente. En esta conversación, Horacio y Sofía reflexionan sobre lo complejo que es equilibrar negocio y valores sin perder el rumbo. Y sobre la idea de que, en un sector marcado por la prisa, parar también puede ser una forma de avanzar.
Nos encanta poder teneros en WHAT MAGAZINE y comenzar esta nueva era con esta entrevista. Este reportaje es especial, porque Gospel Estudios es un proyecto particular, pero si tuvieseis que definir la marca a alguien que aún no os conoce, ¿cómo lo haríais? (Horacio y Sofía). (H) ¡Hey! Primero de todo, muchas gracias por contar con nosotros para este momento tan especial. Si tuviese que definir Gospel Estudios para alguien ajeno, diría que somos una marca dependiente de moda responsable, que hacemos ropa Not-Ready-to-Wear, y que si siente curiosidad por saber lo que es eso, que se meta en la web a leer más sobre los conceptos.
(S) Creo que por no sonar tan parecido a Horacio diría que es una marca de moda responsable que pone el foco en el proceso tanto como en el producto. Entendemos la prenda no como un simple objeto, sino como el resultado de una cadena de decisiones humanas, éticas y creativas. Por eso hablamos de Not-Ready-to-Wear y de Dependent Brand.
"SOMOS UNA MARCA DEPENDIENTE DE MODA RESPONSABLE, QUE HACEMOS ROPA NOT-READY-TO-WEAR"
¿Cómo y dónde surgió la idea de Gospel Estudios? Surgió de un sentimiento de hartazgo y frustración con el panorama de la moda, las dinámicas de la industria y muchas ganas de hacer ropa que nos gustase a nosotros, pero producida con unos estándares alineados con nuestros valores. Esto fue a principios de 2021, ha llovido ya…
"SURGIÓ DE UN SENTIMIENTO DE HARTAZGO Y FRUSTRACIÓN CON EL PANORAMA DE LA MODA, LAS DINÁMICAS DE LA INDUSTRIA Y MUCHAS GANAS DE HACER ROPA QUE NOS GUSTASE A NOSOTROS"
¿En qué momento se comenzaron a trazar los valores del proyecto? A medida que fuimos sentando las bases estéticas de Gospel, naturalmente fueron surgiendo los principales conceptos, que al final lo que hicimos fue darle nombre a un conjunto de ideas que estaban en el aire, pero nos costaba darles un hilo que las uniera a todas.
¿En algún momento pensasteis que hacer algo tan a contracorriente era muy arriesgado?
Desde el principio lo supimos, pero con el tiempo y desde que salimos al mercado se ha hecho todo mucho más patente, y vamos recalculando ruta y haciendo todo lo mejor que podemos, equilibrando negocio con valores, que no es fácil.
¿Qué importancia tienen las relaciones humanas en Gospel Estudios? Gospel Estudios nos definimos como dependent brand, ¿no? Como una marca dependiente, y eso para nosotros influye mucho en la forma en la que nos relacionamos, tanto con otras personas como con otras entidades o empresas. Y eso, para nosotros, significa que queremos poner o añadir un valor humano en un sistema y en unas dinámicas que sentimos que se sienten muy robóticas o con mucho protocolo. Cosas tan sencillas como poner unos puntos de exclamación, o incluso añadir un emoji en un email, o intentar generar una relación que sea más humana y que no se sienta tan distante, para nosotros es muy importante. Además de que trabajamos casi siempre con amigos nuestros, intentamos hacer que las relaciones que establecemos con otras empresas o con otras personas siempre sean desde un punto de vista profesional, pero sobre todo con calidez humana.
En un proyecto tan alejado de la tendencia temporal como este, ¿cómo surge o se desarrolla el proceso creativo a la hora de lanzar una prenda o colección? La verdad es que, con la ayuda y guía de nuestros amigos de India Juliett, diseñamos una colección bastante grande que estaba pensada para durar un año más o menos, haciendo drops periódicamente. Con ellos acabamos llegando a los sistemas, que son uno de los principales medios que tenemos para incentivar un uso prolongado de la prenda. Luego está la elección de tejidos, el sizing y muchas otras cosas entre medias. Toda parte es importante en el proceso, y para GE ese proceso tiene que ser filtrado por la visión: hacer prendas que sean atemporales y que puedan vivir el máximo tiempo posible en el armario de nuestro consumidor sin que se canse o se le rompa.
¿En este tiempo habéis hecho colaboraciones muy puntuales, y ninguna con marcas. ¿Hay pocos proyectos alineados con Gospel? La realidad es que hasta ahora solamente hemos querido desarrollar nuestra propia línea de trabajo y nuestro propio proyecto, para luego, desde ahí, poder colaborar. Sí que es cierto que es algo que nos apetece bastante, sobre todo en el área de upcycling. Eso es algo que nos excita mucho y que tenemos muchas ganas de explorar específicamente con otras marcas, ya que nos gustaría poder "quitar de la montaña", como decimos nosotros. Con eso nos referimos a que todas las marcas, incluso muchas tiendas, muchos retailers, tienen mucho stock en sus stockrooms que no están vendiendo, y creemos que Gospel Studios podemos gospelizar esas prendas y darles una segunda vida, e intentar hacerlas más atractivas para el consumo. Entonces, seguramente, sí, ya hay algunas colaboraciones que están planeadas, pero quizás no tanto con marcas, sino con otras personas o empresas que están en el sector también, pero no de una forma tan tradicional. Así que ya lo veréis.
¿Cuáles son vuestras referencias? ¿Dónde buscas la inspiración?
(H) A mí siempre me han gustado las prendas funcionales, soy bastante racionalista y aplico mucho la lógica. Dicho esto, la moda japonesa siempre ha sido uno de mis mayores referentes, aunque Corea también tiene últimamente muchas marcas que son un gran referente.
(S) Estoy con Horacio en que la moda japonesa juega un papel muy importante en mi manera de entender la moda. La inspiración la encuentro en libros y revistas (además de en lo obvio de las redes sociales), aunque lo que más me inspira es ver fotos antiguas de mi familia y fijarme en cómo llevaban las prendas, cómo pasaban de unos a otros, cómo remendaban lo roto y cómo todo lo que usaban formó parte de su historia.
¿Cuál diríais que es el público objetivo de Gospel Estudios?
Cualquier persona que esté leyendo esta entrevista y que crea que realmente necesita o va a darle una buena vida a una prenda nuestra. Visita www.gospelestudios.es si quieres saber si eres tú esa persona :)
¿Crees que las marcas deberían mojarse e implicarse más?
Sinceramente, creo que todas. Hay un efecto que me parece bastante interesante, y es que cuando te comunicas como una marca sostenible, van a buscar dónde has fallado para señalarte y dar a entender que no eres tan sostenible como dices. Pero si una marca no es sostenible ni transparente, no se le exigen las mismas condiciones o no se les juzga bajo el mismo estándar, y eso es algo que sorprende.
"CUANDO TE COMUNICAS COMO UNA MARCA SOSTENIBLE, VAN A BUSCAR DÓNDE HAS FALLADO PARA SEÑALARTE Y DAR A ENTENDER QUE NO ERES TAN SOSTENIBLE COMO DICES"
¿Cómo está el panorama de la moda en España?
Veo muchísimo talento, me hace muy feliz ver cómo ha evolucionado y cuánta gente hay ahora mismo representando, antes no había tanto, y eso es bonito de ver. Nuestro amigo Che Abjeli hace muy buenos análisis de la escena en España, must watch!
¿Y la moda española en un contexto internacional?
No triunfamos más porque no queremos, la verdad. Ojalá en el futuro ver a más talento español en cargos de responsabilidad en marcas grandes.
"NO TRIUNFAMOS MÁS PORQUE NO QUEREMOS, LA VERDAD. OJALÁ EN EL FUTURO VER A MÁS TALENTO ESPAÑOL EN CARGOS DE RESPONSABILIDAD"
¿Creéis que compramos demasiada ropa?
(H) Es obvio que sí, pero creo que la forma de consumir ha cambiado bastante de unos años para ahora. Una de nuestras mayores ilusiones en Gospel Estudios es poder generar un impacto positivo en la forma en que la gente consume, y con suerte hacerles plantearse cómo consumen y que cambien la forma en la que lo hacen.(S) Definitivamente sí, el foco debería volver a estar en la calidad de la prenda y las necesidades, y no en las tendencias.
"CREO QUE LA FORMA DE CONSUMIR HA CAMBIADO BASTANTE DE UNOS AÑOS PARA AHORA. UNA DE NUESTRAS MAYORES ILUSIONES EN GOSPEL ESTUDIOS ES PODER GENERAR UN IMPACTO POSITIVO EN LA FORMA EN QUE LA GENTE CONSUME"
¿Hacia dónde se dirige Gospel Estudios?
(H) Más estrategia, más comunidad, nuevos colaboradores, más pop ups, más producto, la movide. (S) Hacia la comunidad, el fin es importante, pero con quién lo haces y si encima lo disfrutas lo es más.
¿Qué próximos avances van a ocurrir este 2026 dentro de la marca?
(H) Menos online, más offline.
(S) Nuevos formatos, mucho Can Gospel y nuevos lanzamientos.
¿Qué hito o éxito te gustaría conseguir con Gospel? Con Gospel, para nosotros hay dos éxitos. Un éxito que es el estructural y el necesario, que es el éxito como business, que significa básicamente vender para poder subsistir; pero, por otro lado, el éxito real, lo que a nosotros nos gustaría hacer, es crear un impacto en la forma en la que la gente consume. Entonces, a través de diferentes sistemas y tal, y como nosotros entendemos sobre todo lo que es el not ready to wear y demás, esperamos que la gente, a través del proceso de compra de un producto de Gospel Estudios y lo que esa experiencia supone, con todos los momentums que hay, les haga pensar un poco más y que les haga reflexionar, y que tenga un impacto positivo en esa forma en la que consumimos, que no solamente es cómo compramos, sino cómo utilizamos esas prendas o esos objetos que compramos, etcétera.
Para terminar, más allá del trabajo o labor que realizáis con vuestra marca, si pudieseis cambiar algo dentro de la industria de la moda, ¿qué sería? Cambiaríamos el sistema actual de temporadas por uno que permitiese crear con más calma y más intención, que respetase también más los ritmos de trabajo sin consumir personas y tantos recursos de forma innecesaria solo para satisfacer el ADHD del consumidor (creado por esta misma industria).
El pasado jueves 26 de febrero, Lucho RK y La Pantera actuaron en Razzmatazz por segunda vez dentro de su gira Fasssilito Tour. La sala estaba llena y, cuando arrancaron con Lucy, no hizo falta nada más para que todo el mundo cantara al unísono. Desde el primer tema la gente ya estaba implicada al 100%.
Durante el concierto fueron saliendo varios de los temas que comparten en su EP conjunto, esos que ya se sienten casi himnos dentro de su público como BANE, SOÑASTE CON UN DRACO, etc. Después llegaron los momentos por separado. Lucho con sus temas más coreables y La Pantera manteniendo el ritmo sin que la energía bajara. Se notaba que había complicidad entre ellos.
Hubo confeti, fuego en el escenario, risas entre ambos y hasta camiseta del Barça como guiño a Barcelona.
El proyecto conjunto llega en un momento clave para ambos. Este último año a los dos les ha ido especialmente bien y están en un punto muy parecido de sus carreras. La idea de empezar a trabajar juntos, surgió de forma natural, casi como una extensión de esa etapa compartida. El proceso fue sencillo, juntarse a grabar y quedarse con los temas que más les convencían. Esta naturalidad se nota, ya que las canciones su público ya siente como propias y que en directo funcionan todavía mejor.
Razzmatazz respondió como tocaba: llena, entregada y cantando hasta el final.
El pasado viernes, Fernando Costa celebró el décimo aniversario de Amor y dolor de barrio en el Movistar Arena, y Madrid respondió como si esas canciones nunca hubieran dejado de sonar en la calle.
El concierto arrancó con Narcolepsia, una entrada directa, sin preámbulos. Desde ahí, el set se movió entre clásicos que el público recibió como himnos propios: Lento, Shorty y temas junto a Lia Kali —sin su presencia, pero con su eco intacto—. La sensación fue clara desde el principio: no era un repaso nostálgico, sino una reafirmación de identidad.
Las colaboraciones fueron marcando el ritmo de la noche. Juancho Marqués subió al escenario para interpretar Belfast y dejó una frase que definió el ambiente del concierto: no destacó a Fernando como artista, sino como persona. También aparecieron Denom con Malandrino, Dollar en Oye, Delaossa con Fumando serio y Alsafir. Más que invitados, fueron presencias que reforzaron la idea de escena compartida.
El momento más íntimo llegó cuando Fernando dedicó unas palabras a quienes ya no están. En las pantallas aparecieron imágenes familiares y el Movistar Arena guardó un silencio poco habitual.. Fue el punto de inflexión emocional del concierto: del gesto duro a la vulnerabilidad abierta. Después, Barco a la deriva marcó el tono más rapero de la noche, devolviendo el pulso sin romper la atmósfera.
Entre temas, el mensaje fue simple: disfrutar el proceso y valorar los momentos pequeños. Esa cercanía también se vio en lo práctico: Fernando detuvo el show en varias ocasiones para comprobar que el público estuviera bien y recibiera ayuda cuando era necesario.
El cierre fue personal. El escenario se llenó de su familia para Hasta cuándo, y el concierto terminó con un gesto colectivo: el público pidió el polémico tema de Te avisé, y la cantó completa, sin que él tuviera que pronunciar una sola barra.
Diez años después, Amor y dolor de barrio no funciona como recuerdo, sino como vínculo vivo. El concierto fue menos una celebración del pasado y más una confirmación de presente: un artista, un público y un mismo lenguaje emocional compartido.
El 21 de febrero, el Movistar Arena de Madrid colgó el cartel de sold out para recibir a Walls en el concierto más ambicioso de su carrera hasta la fecha. Desde antes de que comenzara el show, el ambiente era de absoluta expectación: gritos, cánticos, nervios y un recinto completamente a oscuras anticipaban una noche que prometía ser especial.
El arranque llegó con “Flores mustias”, marcando desde el primer segundo un tono contundente y emocional. Walls apareció con fuerza, respaldado por su banda, dejando claro que el concierto no iba a ser simplemente una sucesión de canciones, sino una celebración colectiva. El público respondió de inmediato, coreando cada verso y manteniendo la intensidad durante todo el espectáculo.
Entre los momentos más explosivos destacaron “Mi nena”, “Los niños del parque” y “Nápoles”, que desataron pogos y una euforia constante en pista. La implicación del público fue total: se cantó absolutamente todo, convirtiendo el Movistar Arena en un coro masivo que acompañó al artista de principio a fin.
La noche también estuvo marcada por las colaboraciones. Sobre el escenario aparecieron La Ocho Chavas, Waor, la tuna de su padre —uno de los momentos más inesperados y celebrados— y Dani Fernández, sumando capas de emoción y diversidad al repertorio. Cada aparición fue recibida con una ovación que reforzó el carácter especial de la cita.
Hubo espacio para la intimidad. Canciones como “9472” y “Si me muero” y “En paz” transformaron el recinto en un mar de móviles encendidos y voces contenidas. Walls dedicó varios discursos emotivos a lo largo de la noche, reflexionando sobre el camino recorrido, el esfuerzo detrás del proyecto y el orgullo por representar a su tierra. El sentimiento de “orgullo Murcia” estuvo presente como hilo conductor de un concierto que trascendió lo musical.
El dinamismo escénico fue constante, con una puesta en escena cuidada y cambios que mantuvieron el ritmo durante todo el show. El cierre llegó tras la presentación de su banda, culminando con “Mi nena” y una lluvia de confeti que selló una despedida a la altura del evento.
Más que un concierto, fue una declaración de intenciones. Lo vivido en el Movistar Arena confirmó el momento de madurez artística de Walls y dejó una sensación compartida entre artista y público: la de haber presenciado una noche histórica.
Fotografía realizada íntegramente para WHaT MAGAZINE por nuestra compañera Yaiza Cobo.
Una noche de música en el Movistar Arena siempre se disfruta, pero cuando Ralphie Choo es quien toma el escenario —siendo por primera vez el protagonista absoluto— la noche resulta diez veces más especial. El artista español, aclamado por sus letras conceptuales y contagiosas, nos regaló este 20 de febrero una noche conmovedora: la primera en este recinto y, sin duda, esperamos que no sea la última.
Con cada mezcla de géneros y sonidos musicales que compone Choo, se despierta un abanico de emociones en quienes conectan con su forma de entender y crear música. Tal fenómeno se vio más latente que nunca en este concierto. El artista abrió la noche con una breve introducción sinfónica que creó una atmósfera de unión para quienes estábamos por presenciar el tan esperado show. Cuando ya estábamos sincronizados, entre gritos y saltos, apareció Ralphie entonando “PIRRI”, una de las canciones más recientes del artista. Abrió el evento luciendo un divertido mono a rayas color burdeos, adornado con una fila de botones en la parte superior, y un calzado propio de su marca Le Toy Factory que completaba el look para uno de los encuentros más importantes de su carrera.
Tras la primera interpretación, el ambiente comenzó a cargarse de una euforia brutal que sólo aumentó cuando los clásicos estallaron: “BULERÍAS DE UN CABALLO MALO”, “NHF” y “BESO BRUMA” nos hicieron saltar por los aires. Los motores ya estaban precalentados y el público, ansioso por ver cómo continuaba esta noche de pura magia, recibió los nuevos temas que sacó Ralphie, “ROCCO” y “TENTACIÓN”, que reafirmaron una vez más la potencia con la que su segundo álbum está por llegar. Más tarde, una bola de disco se posó sobre nuestras cabezas e iluminó tiernamente el recinto durante “TOTAL90NOSTALGIA”. La primera parte del concierto culminó con la aparición de Mori como primer invitado de la noche, y ya cuando “D’AMORTRAFICANTE” sonó, las vibras eran íntimas y magnéticas.
Ralphie se retiró del escenario por unos momentos mientras en pantalla flotaba la palabra “Charmain”, despertando rumores sobre el significado de este título… aunque eso todavía está por verse. Después de una corta espera y un coqueto cambio de look —un mono color mostaza con bolsillos y cinturón—, el artista reapareció con más fuerza que nunca para cantar “WHIPCREAM”. ¿Cómo se supera esa inyección de adrenalina después de una canción así? Sacando al escenario a nada más y nada menos que Rusowsky para interpretar “BBY ROMEO”, “GATA” y, más adelante, “DOLORES”. Puedo jurar que el Arena completo temblaba bajo mis pies. La audiencia en pista perdía la vergüenza y, con ella, el control: los cuerpos se movían cada vez con más ritmo y los pogos comenzaban a expandirse entre la multitud.
Cerrando lo que sería una noche de visuales llamativos y temas nostálgicos, se extrañó la presencia de Rosalía durante la hermosa colaboración “OMEGA”, que en su lanzamiento hizo estallar internet. Esa misma locura se despertó cuando las primeras estrofas de “VOYCONTODO” resonaron por el estadio. ¿Y cómo no, con lo que nos encanta esa canción? Fue un momento etéreo, seguido de un muy esperado “MÁQUINA CULONA” cargado de euforia. El concierto llegó a su fin de la mano de un gran tema, como solo “VALENTINO” puede ser, pero no sin antes un breve discurso de Ralphie que ganó todos nuestros corazones y fue, ciertamente, mi momento favorito del espectáculo.
En ese instante, el nombre artístico Ralphie Choo se hizo a un lado y fue Juan Casado quien nos habló. Hizo mención a la ausencia del nuevo álbum en nuestras manos y a las incertidumbres que lo llevaron a retrasar su lanzamiento. Así fue como este gran artista de la generación contemporánea nos dejó una reflexión —la más importante, diría yo, hoy en día—: “Os invito de verdad, ya que yo no lo he podido hacer hasta ahora, a que falléis, a que os permitáis fallar todo el tiempo”. Un mensaje que invita a comprender el contexto de exigencia creativa en el que nos encontramos y a darnos un momento para aprender de nuestros fallos, para equivocarnos cantando, escribiendo y proyectando al mundo, y así crecer a partir de ello.
La escena internacional del hard techno atraviesa uno de sus momentos más delicados recientes. En cuestión de días, una serie de acusaciones de extrema gravedad difundidas públicamente ha provocado movimientos inmediatos en distintos carteles europeos, entre ellos el del Medusa Festival, que ha decidido cancelar las actuaciones de Shlømo y Basswell.
La decisión llega después de que en los últimos días se difundieran públicamente acusaciones de extrema gravedad contra varios nombres destacados del género. El origen se sitúa en la publicación de testimonios y capturas a través de la cuenta de Brand No Limit, material que rápidamente se viralizó y desencadenó una reacción en cadena dentro de la industria.
Ante la dimensión del caso, distintos festivales, eventos y clubs de todo el mundo han optado por retirar a los artistas señalados de sus programaciones. Entre ellos, el Medusa Festival ha tomado acción y ha decidido cancelar a dos de los artistas que ya tenía confirmados en su lineup: Basswell y Shlømo.
Aunque las acusaciones no han sido confirmadas hasta el momento en sede judicial, el impacto mediático ha sido suficiente para alterar calendarios y acuerdos previamente cerrados. La organización del festival ha trasladado su postura de forma oficial, confirmando que ambos artistas dejan de formar parte de la próxima edición.
El episodio abre nuevamente un debate complejo en la música electrónica contemporánea: el equilibrio entre la presunción de inocencia y la responsabilidad social de promotores, festivales y, por supuesto, público ante denuncias públicas de esta magnitud.
Mientras el cartel se reajusta y se estudian posibles sustituciones, la escena hard techno observa con atención la evolución de un caso que trasciende nombres propios y vuelve a poner el foco en los mecanismos de prevención, control y respuesta dentro de la industria global de festivales.
Si tuviera que describir lo que experimenté en el concierto de Judeline el 22 de febrero, sería con tres simples palabras: un encantamiento total. La noche comenzó como cualquier otra cuando vas a ver un concierto al Movistar Arena: llegar al estadio, localizar la entrada correspondiente y entrar con antelación para hacer un paneo general del ambiente. Y, como era de esperar en un concierto de una de las mayores referentes de la escena alternativa española, el espacio ya estaba repleto 15 minutos antes de comenzar el show.
Las luces se apagaron y la reconocida voz angelical de Judeline resonó por el estadio presentando Bodhiria, acompañada de un visual en pantalla que establecía perfectamente el clima de misterio. Desde ese instante se asentó un aura hipnótica que perduró hasta el final del concierto. Los bailarines comenzaron a aparecer en escena, manteniendo a la artista escondida, quien abrió el show con “ANGELA”. La andaluza llevaba un vestido blanco delicado, con detalles de encaje y cuero que contrastaban armoniosamente. Más adelante cambiaría a un conjunto dentro de la misma línea etérea, pero más fluido para acompañar sus movimientos.
Ya cuando sonó “MANGATA” y después “INRI”, las luces estallaban intensamente y no sabías si estabas cegada por ellas o por la mismísima Judeline.
Entre la euforia de una noche que recién comenzaba, llegó antes de lo esperado la sublime canción “HEAVENLY”. Mientras tomaba nota de las palomas que flotaban por la pantalla, me di cuenta de que, junto a ellas, llegó el primer invitado de la noche entre ovaciones y aplausos: Rusowsky. El ambiente se impregnó de ternura y nostalgia, que solo aumentó durante “4 ANGELITOS”, para luego transformarse en una energía intensa y potente en la interpretación de “LUNA ROJA” junto al bailarín estrella, Héctor Fuentes. Esa energía lunar se apoderó tanto de los bailarines como de la audiencia, y resultó en un descontrol total cuando llegó “JOROPO”, donde la escena se alimentaba de lo caótico, poderoso y disruptivo. El estadio brillaba junto a su artista, y los espectadores disfrutaban cada minuto de su mar de sentimientos, especialmente cuando Judeline sorprendía con canciones de sus comienzos, como “SUSTANCIA”, “TÁNGER” o “ZAHARA”. La atmósfera invitaba al disfrute y al baile, e incluso en prensa no podíamos evitar mover los hombros al ritmo de la música mientras escribíamos nuestras notas.
Evidentemente, el homenaje a sus raíces andaluzas no pasó desapercibido. El flamenco se incorporó al espectáculo de la mano de grandes invitados de la escena, como La Mari de Chambao, el grupo Papá Levante y el guitarrista Yerai Cortés. Durante esos instantes —especialmente con la guitarra de Cortés— noté que el estadio completo guardaba silencio. Juro que ni una mosca se movía mientras permanecíamos todos como estatuas, conteniendo la respiración y olvidándonos por un segundo del resto del mundo. Simplemente escuchábamos con atención, permitiendo que la relajación de las cuerdas nos atravesara el cuerpo. Ese tiempo de serenidad fue lo que nos regaló Judeline.
Su energía es contagiosa y divertida: nostálgica cuando cantó “TIEMPO PASA” de su EP Verano Saudade, y atrevida cuando presentó “TÚ ET MOI”. Con esa misma sensualidad femenina que la caracteriza, rompió nuestros sistemas cantando “2+1”, “PIKI” y “CANIJO”; este último finalizando en un ritmo electrónico que nos transportó por unos instantes a un club techno de excelencia. Nos encontrábamos, sin duda, en medio de una neblina psicodélica y sensual de la que no queríamos salir.
Aun así, sabíamos que todo lo que sube tiene que bajar, y todo lo que empieza debe terminar. ¿Y cuál es la mejor manera de hacerlo? En medio de un mar de luces de linternas que embellecían el estadio, mientras nos despedíamos con “ZARCILLOS DE PLATA”. Fue un momento de divinidad y pureza cruda, que hizo caer más de una lágrima en el Arena. Con la piel de gallina llegó a su fin el concierto más íntimo, con agradecimientos de la artista a todo aquel que conecta con su música, tanto en momentos rotos como en los más elevados. “Este es el comienzo de algo muy grande”, expresó Judeline, y el orgullo de poder presenciarlo —eso sí que es gigante.
La escena nocturna malagueña celebra uno de sus hitos anuales con el séptimo aniversario de Fiebre Club, que tendrá lugar el próximo 28 de febrero en Sala París 15. La cita coincide con el fin de semana del Día de Andalucía y reunirá a algunos de los nombres más representativos del circuito urbano y electrónico actual.
El cartel combina perfiles consolidados y propuestas emergentes. Entre los confirmados figuran Sticky M.A., uno de los artistas más influyentes del underground nacional; Aleesha, con una trayectoria marcada por la fusión de R&B y sonidos urbanos; y G La Sosita, representante de la nueva ola urbana.
La programación se completa con los DJ sets de King Doudou, productor de proyección internacional vinculado a la electrónica global; Fiebre Djs, como anfitriones de la noche; y Bass Seismic, aportando una línea de bajos y ritmos contundentes.
Con siete años de trayectoria, Fiebre Club se ha consolidado como una de las plataformas clave para la difusión de la cultura club en Málaga, apostando por una programación que conecta la escena local con tendencias nacionales e internacionales. El aniversario se presenta, así, como una reafirmación de su papel dentro del circuito andaluz y como uno de los eventos destacados de la temporada invernal en la ciudad.
El 20 de febrero Kristina lanzó su nuevo proyecto musical, el EP bautizado con el nombre de Kristineando Edition. Compuesto de seis canciones predomina aquí el sonido del reguetón old school mezclado con matices actuales. Está realizado junto a Came Beats –conocido por producir a artistas como SAIKO, Soto Asa y D.Valentino–. Ya ha generado gran expectación entre sus seguidores desde los primeros adelantos.
La cantante granadina lleva sacando música desde 2021, pero como ella misma afirmó en la escucha privada que tuvo lugar el 5 de febrero se trata de su “primer trabajo serio”. Decide abrir esta nueva etapa después de un exitoso y largo año donde ha dejado hits como “LA SACAPUNTAS” o “TOTOS DE LOCAS (Monster High Version)”.
Pese a tener diferentes estilos todos los temas son de reguetón. Cuenta que gran parte de su inspiración le viene de los reyes de este género, entre ellos Ñengo Flow y Anuel AA y de temas concretos sobre los que destacan “Me Niegas Remix” y “More”. Viene a traer esta fusión del reguetón antiguo con los nuevos sonidos urbanos actuales. Si eres astut@ podrás encontrar barras de estos artistas y canciones en Kristineando Edition.
Desde semanas antes de su publicación, Kristina había adelantado dos temas de su proyecto: “SOY MEJOR” el cual encabeza este trabajo y “7VIDAS” junto a Raul Clyde –la única colaboración–. Para cerrar el EP se atrevió a sacar su primer freestyle titulado “GRANADA PRINCESS”. Si en algo está todo el mundo de acuerdo es en lo pegadizo que suenan estos nuevos lanzamientos.
La “gata maníaca” muestra su lado más explosivo y sensual con una estética extremadamente cuidada, en la que destaca su flequillo con el logo decolorado de los New York Yankees. Quiere demostrar que el “mejor reguetonero de España lleva tacones”, reivindicando también que no quiere que sólo la comparen con otras mujeres. Ella afirma que está lista para competir con cualquiera que haga este género, incluso con los hombres a los que más admira. Kristineando Edition ya se puede escuchar, disfrutar y bailar desde todas las plataformas.
Más nombres, más formatos especiales y una presencia española histórica. Kappa FuturFestival completa el line up de su 13ª edición con una tercera y última fase que consolida al encuentro italiano como una de las propuestas más ambiciosas del circuito internacional.
Del 3 al 5 de julio de 2026, el icónico Parco Dora volverá a transformarse en el epicentro de la electrónica europea con más de un centenar de artistas distribuidos en tres jornadas consecutivas. A este despliegue se suman las opening parties del jueves 2 de julio y el ya consolidado programa Art & Techno, que amplía la experiencia más allá de los escenarios.
En este último avance destacan nombres como Agoria, Maceo Plex y los espectaculares shows audiovisuales de Max Cooper. También actuarán en solitario artistas que ya estaban confirmados en formato B2B como Seth Troxler, Floating Points o Four Tet.
Uno de los momentos más esperados será STOOR live, el proyecto ideado por Speedy J, que suma en esta edición a Chris Liebing y Sterac, junto a otros artistas ya confirmados previamente dentro del concepto colaborativo.
Como es habitual, el formato Back To Back cobra protagonismo con encuentros únicos como Jane Fitz B2B Rhadoo o el esperado B2B entre Fatima Hajji y Alingment.
La presencia de artistas nacionales va aumentando cada edición de Kappa FuturFestival, con varios artistas, protagonistas de la escena global, que debutan en el festival en 2026, como Adrián Mills, Viviana Casanova o John Talabot, que lo harán en solitario, o la salmantina Fatima Hajji que lo hará en B2B junto a Alingment. La dj y productora Tini Gessler repite en Kappa FuturFestival tras su paso en la edición de 2025.
Kappa FuturFestival 2026 & Futur México
Más allá del cartel, Kappa FuturFestival continúa expandiendo su marca con el anuncio de Futur México, su primera edición satélite internacional prevista para 2026, marcando así el inicio de una nueva etapa global para el proyecto.
Con una producción que combina vanguardia sonora, innovación tecnológica y una fuerte conexión con el arte contemporáneo, Kappa FuturFestival reafirma su estatus como el evento electrónico de referencia en Italia y uno de los imprescindibles del calendario europeo.
Cada cambio de dirección implica una redefinición de identidad. Pierpaolo Piccioli lo sabe y ha decidido presentar su desembarco en Balenciaga con un gesto simbólico: reunir ante la cámara a la comunidad que acompañará esta nueva etapa.
La campaña, fotografiada por David Sims, funciona como manifiesto visual. Más que mostrar una colección cerrada, plantea una conversación entre la casa y una selección de figuras que representan distintas sensibilidades culturales y generacionales.
Entre los protagonistas aparecen nombres como Winona Ryder, Roh Yoon-seo, Harris Dickinson, Havana Rose Liu, Labrinth, así como modelos como Loli Bahia y Mona Tougaard, entre otros perfiles vinculados al cine, la música y la moda.
Las imágenes dejan entrever las primeras claves del nuevo rumbo creativo: siluetas contemporáneas construidas desde la técnica clásica de la maison, volúmenes más ligeros y una depuración formal que apunta hacia una elegancia estructurada, pero menos rígida. No es una ruptura explícita, sino una transición que parece apostar por la sensibilidad y la artesanía como eje central.
Más que una simple campaña, este primer movimiento de Piccioli en Balenciaga se presenta como la construcción de una comunidad. Un punto de partida que marca tono, intención y visión para lo que está por venir.
Éxito rotundo el de Algarete, la famosa fiesta organizada por el promotor Andrés García más conocido como 'La Mano de Oro', en la madrugada de este martes. Este festejo, que regresó a Granada para una nueva edición, trajo como cabeza de cartel al artista internacional Slayter a la discoteca de la capital Mae West aunque terminó por deslumbrar con la presencia de varios artistas del panorama urbano que cantaron y compartieron una gran noche junto a un público entregado.
Con todas las localidades vendidas los presentes pudieron disfrutar, además de la música de Slayter, de breves shows en los que participaron JC Reyes, el granadino Yung Beef, quién recién estrenó el pasado jueves el OVA 2 de su último trabajo El Pluggg 3, además del dúo de moda en el panorama internacional Xiyo y Fernandezz. La fiesta la cerró Andrés García, más conocido como 'La Mano de Oro', con un showcase donde pinchó alguno de los temas más reconocidos del reguetón y el trap en español.
La noche comenzó con el estadounidense Slayter, que interpretó varios de sus éxitos, incluyendo Bellakita y Secuestro, y contó con la primera sorpresa de la madrugada: JC Reyes se unió a él para cantar temas compartidos como Loquita y 3sum. Después subieron al escenario Xiyo y Fernandezz, presentando su reciente lanzamiento Oscura Sentencia y grandes hits underground como Do You Remember, Bajo la Luna y Ruina. Yung Beef cerró la tanda de actuaciones junto a Xiyo y Fernandezz con el himno Cuando No Era Cantante Remix, confirmando su estatus de referente del trap nacional.
Para poner broche y final a una noche histórica para Algarete, La Mano de Oro pinchó en el dj set ubicado en el improvisado escenario ante más de un millar de jóvenes que disfrutaron de la que probablemente haya sido la mejor edición de Algarete en nuestra ciudad hasta la fecha.
En New York City, su territorio natural, A$AP Rocky presentó la tercera colección de AWGE, consolidando el proyecto como algo más que una firma de moda. AWGE funciona como una estructura creativa donde confluyen música, imagen, dirección artística y diseño.
La puesta en escena evitó el formato tradicional y apostó por una presentación más cruda y cercana al proceso. El backstage se convirtió en escenario principal, eliminando la distancia entre creador y público. La colección se revelaba casi como un work in progress, subrayando la importancia del concepto por encima del espectáculo.
En términos estéticos, AWGE insiste en su ADN: referencias al motor, siluetas deportivas, capas técnicas y un streetwear llevado al extremo. A esto se suman guiños más personales vinculados al momento vital de Rocky, integrando símbolos que conectan su evolución artística con su vida privada. Sin fecha oficial de lanzamiento, el tercer capítulo de AWGE refuerza su posición como plataforma cultural en expansión.
Fotografía realizada íntegramente por nuestra compañera @mariadperea
El 14 de febrero no fue solo San Valentín. Fue la confirmación de que lo que empezó en las islas ya no tiene techo. El pasado sábado, Lucho RK y La Pantera tomaron el Palacio Vistalegre y lo convirtieron en una extensión de Canarias en pleno corazón de Madrid. Y no era un bolo más: era la puesta de largo de una generación que ha aprendido a ganarse su sitio.
Llegaban en el momento perfecto. Después de meses de crecimiento exponencial, de colarse en playlists, de viralizar barras y estribillos en TikTok y de consolidar una fanbase que ya no entiende de códigos postales. Lo que antes era ruido de SoundCloud y sesiones compartidas, ahora es un directo sólido, con sentido y con discurso.
El Vistalegre pedía el play de lo que terminó siendo una peli a las 21:00 horas, y cuando las luces se apagaron sobre las 21:05h, ya quedó claro que no venían a mantener un show, sino a hacerlo suyo. Arrancaron fuertes, combinando esa sensibilidad melódica que caracteriza a Lucho RK con la actitud más cruda y callejera de La Pantera. Dualidad constante. El mix perfecto
Un reloj con cuenta atrás en blanco y negro daba lugar al repaso de 23 temas tanto conjuntos como en solitario y a colaboraciones tan esperadas como Juseph (en CUPIDOxx) . Así, hubo tiempo para temas de su último EPTA FÁCIL como Tócate sola o Bane, y también para otros anteriores como Pinky Promise 2 , el tema culpable de que la dupla haya llegado hasta aquí. El recinto también pudo escuchar GOUT,Preñá o Ashé, donde no faltaron los gritos y los pogos.
Pero tampoco faltaron las referencias y en medio de una puesta en escena bastante conseguida (sin ser demasiado extravagante) con imágenes, confeti y juegos de luces bien traídos; tomaron protagonismo los discursos. La Pantera conseguía el shout out de los asistentes con unas palabras dedicadas a aquellos que una vez les cerraron las puertas y también en agradecimiento a todos los artistas canarios que les han abierto las puertas, permitiéndoles estar donde están hoy: Cruzzi, Maikel Delacalle, PtaZeta, Quevedo…
Y aunque, a más de uno le hubiera gustado disfrutar de HALO junto a Pedro, lo cierto es que no faltó espectáculo durante todo el concierto: la Pinky Cam recordaba que este San Valentín se celebraba como la Pinky Promise manda, mientrasEl Polvoretenos transportaba a la mejor de las verbenas.
Esto en el transcurso de casi dos horas de concierto, algún que otro cambio de outfit muy comentado y un público entregado. Todo para venir a decir algo así como “somos tus padres”, no sólo como un mensaje que apareció en el escenario, sino también como un hecho que pudimos confirmar aquellos que después de la última nos quedamos con ganas de más y con la sensación de que son el comienzo de algo grande que solo acaba de empezar.
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