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SÓNAR ANUNCIA SU PROPIA MUERTE

Redacción | 27 Oct, 2026.

El festival Sónar ha anunciado su propia muerte a través de redes sociales y ha sustituido su página web por una esquela con las fechas «1994-2026». La iniciativa incluye un libro de condolencias y una campaña en las calles de Barcelona, aunque la organización todavía no ha aclarado el motivo de este anuncio.

Por ahora, no hay una explicación oficial. La fecha de 2026 contrasta con la próxima edición, prevista para junio de 2027, lo que apunta a una posible campaña para anunciar una nueva etapa del festival. Sin embargo, habrá que esperar para conocer qué hay detrás de esta despedida.

El anuncio llega después de varios años de cambios en Sónar, tanto en su estructura como en su propuesta. La salida de sus tres fundadores, la incorporación de François Jozic a la dirección y el traslado de toda la programación musical a Fira Gran Via han modificado el formato histórico del festival. Este contexto añade otra lectura a una campaña cuyo significado todavía se desconoce. Sin una explicación por parte de la organización, no es posible confirmar si el mensaje responde al cierre de una etapa o a un cambio más profundo en el proyecto.

La última edición de Sónar reunió a 150.000 asistentes y el festival ya ha confirmado su próxima convocatoria para junio de 2027. Queda por ver qué significa esta despedida para una cita que lleva más de tres décadas vinculada a la música electrónica y la cultura digital. Por ahora, la organización no ha dado más detalles.

 

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CATZ 'N DOGZ: "QUEREMOS CREAR ARTE, NO CONTENIDO"

Redacción | 27 Oct, 2026.

Con más de veinte años de trayectoria, Catz ’n Dogz ha construido una carrera que va mucho más allá de la pista de baile. El dúo polaco ha sabido evolucionar dentro de la música electrónica sin dejar de explorar otros sonidos, una inquietud que se refleja en Finally, su nuevo álbum de 16 temas que reúne influencias del pop, el folk, el soul y el jazz junto a su habitual sonido electrónico.

En un momento en el que la música se consume a un ritmo cada vez más rápido, el proyecto reivindica el valor de crear sin prisas, publicar en formatos físicos y dar espacio a trabajos que van más allá de un lanzamiento puntual. Hablamos con Catz ’n Dogz sobre la evolución de la industria, la presión por seguir las tendencias, las colaboraciones y la importancia de mantener una identidad propia después de dos décadas de carrera.

Lleváis más de veinte años trabajando juntos. En una industria en la que los proyectos aparecen y desaparecen constantemente, ¿qué habéis tenido que aprender el uno del otro para que Catz ’n Dogz haya funcionado durante tanto tiempo?
Antes discutíamos mucho por todo, de ahí viene el nombre. Con los años, hemos aprendido a valorarnos más el uno al otro y a apreciar todo lo que nos rodea porque, como dices, la gente va y viene, y todo en la vida es temporal.

Conocemos nuestros puntos fuertes y nuestras debilidades, e intentamos potenciarnos mutuamente. Cuando uno se encarga más de la logística y la gestión, el otro asume la parte más creativa. No hay competencia, sino trabajo en equipo. Suena un poco cursi, pero es verdad. También hemos aprendido a evitar por completo los dramas. A veces, un solo correo electrónico con una persona puede decidir si queremos trabajar con ella o no.

Después de tantos años en la industria, ¿qué os sigue entusiasmando de la música electrónica y qué cosas han cambiado de una forma que os cuesta aceptar?
Al final, creo que es muy importante no enfocarse en las cosas negativas, porque lo que vemos en redes sociales y en las noticias es muy diferente de la realidad. No es fácil para mí decir qué es malo y qué es bueno, porque hay otra generación, otras emociones en la música y una economía diferente. La consecuencia de todo esto es que el clubbing y el mundo son un poco diferentes ahora. Para mí, lo más importante es seguir trabajando, mantener el interés y la curiosidad por todo. Es lo que más me interesa de verdad.

En un momento en el que la música se consume cada vez más rápido y parece tener una vida útil más corta que nunca, habéis decidido publicar un álbum de 16 temas, disponible tanto en vinilo como en casete. ¿Qué hay detrás de esta decisión?
Porque queremos crear arte, no queremos crear «contenido». Por supuesto, también hacemos mucha música funcional para los clubes, pero no queremos que se nos conozca únicamente por eso. Somos conscientes de que no todo el mundo podrá escuchar un álbum entero, pero nuestro público objetivo son personas a las que realmente les gusta la música, disfrutan de las historias que cuenta y valoran los lanzamientos en formatos físicos. Por eso también organizamos sesiones de escucha, para conectar directamente con amigos y seguidores y demostrar que dedicar tiempo simplemente a escuchar música sigue siendo algo que se hace.

"Queremos crear arte, no queremos crear «contenido». Por supuesto, también hacemos mucha música funcional para los clubes, pero no queremos que se nos conozca únicamente por eso"

¿Creéis que hoy en día los artistas sienten demasiada presión por publicar música constantemente, incluso cuando no tienen necesariamente nada nuevo que decir?
Creo que la presión no viene de la sociedad, sino de nosotros mismos, los artistas, cuando intentamos seguir las tendencias. Si te fijas en los nombres más importantes, en los grandes artistas, no publican música todas las semanas. Se centran de verdad en la visión que hay detrás de cada lanzamiento y en por qué quieren publicar esa música.

En realidad, depende de ti decidir si quieres seguir las tendencias o escuchar a tu mente y a tu cuerpo y hacer lo que sientes que es correcto. Si haces caso a los consejos de las redes sociales, por supuesto que todo el mundo te recomendará publicar más contenido y lanzar más música, porque así es como ganan dinero. Pero, cuando vuelves a mirar las listas de éxitos pasado un tiempo, ves que algunos temas permanecen en ellas durante muchísimo tiempo. Cuando a la gente le gusta algo, sigue escuchándolo.

El tiempo lo dirá, pero ¡espero haber tenido razón! (Risas).

 

"Creo que la presión no viene de la sociedad, sino de nosotros mismos, los artistas, cuando intentamos seguir las tendencias. Si te fijas en los nombres más importantes, en los grandes artistas, no publican música todas las semanas. Se centran de verdad en la visión que hay detrás de cada lanzamiento"

 

¿Creéis que los artistas están perdiendo la paciencia necesaria para crear algo que perdure en el tiempo? ¿Y cómo se refleja esta tendencia en la escena de la música electrónica?
Sí, por supuesto. Pero, como he mencionado antes, sobre todo oímos hablar de los aspectos negativos de las industrias del arte y de la música de club porque las redes sociales se alimentan del drama. Incluso los contenidos o los gráficos que presentan las cosas desde una perspectiva negativa son los más populares. Lo que genera polémica y divide opiniones es, sencillamente, lo que mejor funciona. Sin embargo, si nos fijamos en los datos reales, las ventas de vinilos llevan casi dos décadas creciendo de forma continuada. Hay más cafeterías con música, más sets de baños de sonido, grandes obras de teatro y películas increíbles. Simplemente tenemos que aprender dónde buscar y dejar de seguir las tendencias negativas.

 

"Si nos fijamos en los datos reales, las ventas de vinilos llevan casi dos décadas creciendo de forma continuada. Hay más cafeterías con música, más sets de baños de sonido, grandes obras de teatro y películas increíbles. Simplemente tenemos que aprender dónde buscar y dejar de seguir las tendencias negativas"

 

Habéis descrito Finally como un álbum sobre los recuerdos, la amistad y los momentos compartidos. ¿Cuál fue la parte más difícil de transformar experiencias personales en música sin perder su significado original?
Bueno, para nosotros lo más importante era que se pudiera escuchar el disco entero y pasar un buen rato, pero también reflexionar un poco sobre la vida y las letras que escribimos nosotros y los cantantes. Creo que cada persona puede sacar algo diferente de ellas. Al trabajar en Finally, era muy importante para nosotros que la música y la letra crearan cierto contraste. Así, cuando tenemos un tema muy feliz, la letra puede invitar a reflexionar y hacerte pensar un poco. Por eso, nuestras inspiraciones vienen de la música folk, porque tiene un poco ese carácter.

El álbum combina elementos del pop, el folk, el soul y el jazz con vuestro sonido electrónico habitual. ¿Hasta qué punto sentís la necesidad de alejaros de la imagen que la gente tiene de Catz ’n Dogz para seguir sorprendiéndoos a vosotros mismos? (AUDIO)
La necesidad de crecer es más fuerte que nosotros; realmente, no la elegimos. De vez en cuando tenemos el impulso de aprender, y un álbum siempre es un buen momento para hacerlo, leer mucho, descubrir cosas nuevas y aprender sobre composición y escritura de letras. En este caso, también de utilizar el inglés. Creo que, como artista, es muy importante estar leyendo constantemente y buscar inspiración, porque la inspiración también hay que buscarla. Sería mucho más fácil si siguiéramos una única línea musical, pero eso no sería honesto, porque nosotros nos dedicamos a muchas cosas y no queremos quedarnos con un solo estilo de música.

Habéis colaborado con artistas de contextos musicales muy diferentes. En un momento en el que las colaboraciones también pueden ser una estrategia para llegar a nuevos públicos, ¿cómo distinguís una conexión creativa genuina de una colaboración que solo tiene sentido sobre el papel?
No quiero ser un hipócrita. Nosotros también hemos trabajado un poco de esa manera en el pasado, pero, para este álbum, simplemente hicimos música con gente que nos gusta y con la que queríamos trabajar. No había intereses comerciales detrás. Además, una cantante con la que teníamos previsto colaborar, la más famosa de todas, nos canceló a última hora cuando el tema ya estaba terminado, así que también nos tomamos aquello como una señal. Las cosas deben hacerse cuando sientes que es el momento adecuado.

Dicho esto, también creo que no hay nada malo en trabajar con otras personas de forma estratégica si tiene sentido musicalmente. Los remixes de un álbum son una buena oportunidad para que más gente lo conozca y descubra tu música. Sin embargo, incluir colaboraciones en un álbum que no encajan cuando escuchas el disco completo no es una buena idea: puedes publicar un álbum entero y que la gente solo recuerde una canción.

 

"Para este álbum, simplemente hicimos música con gente que nos gusta y con la que queríamos trabajar. No había intereses comerciales detrás"

 

La música electrónica se encuentra constantemente entre la cultura de club y su expansión hacia el mainstream. ¿Creéis que esta mayor exposición ha enriquecido la escena o que, en ocasiones, ha diluido parte de su identidad?
El house nació en Chicago en los años setenta y principios de los ochenta y, si nos remontamos todavía más atrás, el sintetizador Moog se creó a mediados de los sesenta. Así que creo que hablar de la música de club como si fuera algo nuevo es plantear mal la historia. Es mejor hablar de cómo vuelve una y otra vez. Llevar tantos años trabajando en la industria musical nos ha ayudado a entender que las cosas van y vienen, incluida esa lucha interminable entre mantener los pies en la tierra y seguir conectados con la comunidad, por un lado, e intentar no venderse al sistema, por otro.

Ahora estamos en una época de megaclubes y experiencias VIP, pero ese mercado pronto acabará saturándose y la gente pasará a otra cosa. Al final, quienes permanezcan lo harán por amor a la música, igual que ocurrió cuando el hip-hop conquistó por completo Estados Unidos durante los años noventa y principios de los dos mil. La verdad es que tengo ganas de ver cómo estalla esa burbuja (risas).

 

"Ahora estamos en una época de megaclubes y experiencias VIP, pero ese mercado pronto acabará saturándose y la gente pasará a otra cosa. Al final, quienes permanezcan lo harán por amor a la música"

 

Tenéis una carrera internacional, pero también contáis con un estudio en Madrid y mantenéis vínculos con distintas ciudades. ¿Cómo influye el cambio de entorno en vuestra forma de producir música y qué os aporta trabajar fuera de casa?
Tenemos mucha suerte de haber viajado durante toda nuestra vida y de poder trabajar mientras viajamos. De hecho, cuando pasamos demasiado tiempo en casa, empezamos a sentirnos inquietos. Nos gusta escuchar música, ir a conciertos y compartir experiencias con otras personas. Disfrutamos hablando de música, sociología y otras cosas un poco frikis. ¡Todo eso nos mantiene inspirados!

WHAT MIX: DJ MELL G

Redacción | 27 Oct, 2026.

Ella lo define como: "Distopia"

Jensen Interceptor - Haze
Galaxy Surfer 303 - Cosmic Energy Reserve
The Egyptian Lover - Dance 2 My Beat
Galaxy Surfer 303 - Human Architecture
Diego Irresponsable - Electrobarbarie
Zetor - These Computors
Morphology - Darkstar (The Hacker Remix)
Gesaffelstein - Variations (Original Mix)
B1980 - Mental Pulse
DJ MELL G - Unreleased
Aloka - Convex
DJ MELL G - Halflife
Berwick - DUH!
Resale Rise - Modality
DeFeKT - Acid Bounce
Djedjotronic - Global Surveillance
Cyrk - Inverted Gravity
FABRIKTRAUM - Deep Web
DJ MELL G - Unreleased

 

ASÍ VIVIMOS LA FINAL MUNDIAL DE RED BULL DANCE YOUR STYLE EN ZÚRICH: WILLIS SE HIZO CON EL TÍTULO MUNDIAL

Redacción | 26 Oct, 2026.

La ciudad de Zúrich se convirtió el pasado sábado 24 de octubre en el punto de encuentro del street dance internacional. El Hallenstadion reunió a 7.500 personas para celebrar la Final Mundial de Red Bull Dance Your Style 2026, una competición en la que la improvisación, la musicalidad y la conexión con el público volvieron a ser determinantes. Al final de la noche, el francés Willis se hizo con el título mundial tras vencer a la surcoreana Yoon Ji en la última batalla.

El formato es parte de lo que hace diferente a esta competición. Aquí no hay coreografías preparadas ni un jurado que decida quién merece pasar de ronda. Los bailarines se enfrentan a canciones que no conocen y tienen que demostrar su capacidad para adaptarse a cada ritmo, interpretar la música y encontrar su propia manera de conectar con quienes tienen delante. El público decide quién avanza, convirtiendo cada enfrentamiento en una batalla abierta hasta el último momento.

La edición de este año reunió a 16 bailarines de distintos países, con estilos que iban del hip-hop al locking, el popping o el waacking. Cada ronda planteó un nuevo reto y obligó a los participantes a salir de su zona de confort. Además, por primera vez, quienes seguían la competición desde casa también pudieron participar en las votaciones a través de la retransmisión en streaming.

ORION Y XELYNA, REPRESENTANTES DE ESPAÑA

La final también tuvo presencia española con Orion y Xelyna, dos bailarines que llegaron a Zúrich por caminos diferentes.

Orion aterrizó en Suiza después de proclamarse campeón nacional en Barcelona. Especializado en hip-hop y locking, tuvo que disputar las prefinales internacionales junto a otros 59 bailarines para conseguir una de las últimas plazas en el cuadro principal. Su participación puso el broche a un recorrido que comenzó con la competición nacional y que le llevó a medirse con algunos de los nombres más destacados del panorama internacional.

Xelyna, por su parte, consiguió entrar directamente entre los 16 participantes de la Final Mundial. Su estilo combina influencias de las danzas africanas con el hip-hop old school y new school, con especial atención al flow y la musicalidad. En Zúrich se enfrentó a Yoon Ji, que terminó convirtiéndose en una de las grandes protagonistas de la noche al alcanzar la batalla definitiva por el título.

La presencia de ambos volvió a situar a España en el mapa de una competición que, más allá del resultado, sirve como punto de encuentro para distintas generaciones y comunidades de baile.

WILLIS SE LLEVA EL TÍTULO EN LA BATALLA FINAL

La competición fue avanzando hasta dejar a Willis y Yoon Ji frente a frente en el último duelo de la noche. El francés, de solo 16 años, había superado previamente a Limpopo Boy, Capjay y Lockerzee para llegar a la final. Al otro lado, la surcoreana defendía su candidatura con el waacking, un estilo marcado por los movimientos de brazos, la expresividad y la interpretación musical.

El enfrentamiento puso sobre la pista dos maneras distintas de entender el baile. Finalmente, Willis consiguió convencer al público con su improvisación y musicalidad, haciéndose con la victoria y el título mundial de Red Bull Dance Your Style 2026.

Zúrich puso así el punto final a una temporada que también pasó por distintas ciudades españolas, entre ellas Madrid, Sevilla y Barcelona, antes de reunir a los representantes nacionales e internacionales en Suiza. La próxima Final Mundial ya tiene destino: Londres, donde la competición regresará el 6 de noviembre de 2027.

LOS RUMORES APUNTAN A QUE MARTINE ROSE PODRÍA SER LA PRÓXIMA DIRECTORA CREATIVA DE BALENCIAGA

Redacción | 26 Oct, 2026.

El nombre de Martine Rose suena como posible relevo de Pierpaolo Piccioli al frente de Balenciaga, según ha publicado Puck. De confirmarse, la diseñadora británica regresaría a una casa que ya conoce de cerca, aunque esta vez para asumir la dirección creativa.

Rose trabajó durante tres años junto a Demna como consultora de moda masculina de Balenciaga, entre 2015 y 2018. En ese periodo, la firma reforzó su apuesta por el streetwear y las referencias urbanas, un terreno en el que la diseñadora también ha desarrollado buena parte de su identidad.

Desde que lanzó su marca homónima en 2007, Martine Rose ha construido un estilo propio a partir de la cultura futbolística, la escena de clubes londinense y la ropa cotidiana. Sus colecciones mezclan sastrería oversize, prendas deportivas y proporciones poco convencionales, con una forma de entender la moda masculina que se aleja de los códigos tradicionales.

Su posible llegada a la dirección creativa de Balenciaga supondría una nueva etapa para la firma y el regreso de una diseñadora que ya formó parte de su equipo. Por ahora, ni Balenciaga ni Kering han confirmado la información, por lo que habrá que esperar para saber si los rumores terminan convirtiéndose en un anuncio oficial.

 

 

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¿POR QUÉ ANIMAS ESTÁ DANDO TANTO QUE HABLAR? SPOILER: CLAPTONE NO ES EL ÚNICO MOTIVO

Redacción | 21 Oct, 2026.

La música electrónica encontrará un escenario poco habitual el próximo 24 de octubre en Navarra. Coincidiendo con la Noche de Ánimas, ANIMAS celebrará su primera edición en el Pueblo Medieval de Sendaviva, un enclave cuya ambientación marcará la personalidad de una propuesta que va más allá de reunir a varios artistas en un mismo cartel.

La presencia de Claptone es, sin duda, uno de los principales reclamos de esta primera edición. El DJ y productor, reconocible por su característica máscara dorada, encabezará una programación de seis artistas que recorrerá diferentes perfiles de la electrónica durante una noche que se prolongará hasta la madrugada. Sin embargo, el interés de ANIMAS también está en el lugar elegido y en su conexión con una fecha que encaja con la atmósfera que plantea el festival.

Un pueblo medieval como escenario

Frente a los recintos habituales de la música electrónica, ANIMAS apuesta por el Pueblo Medieval de Sendaviva como marco para su estreno. La ambientación del espacio y la coincidencia con la Noche de Ánimas aportan un contexto particular a la cita, en la que el entorno tendrá un papel importante junto a la programación musical.

La propuesta busca aprovechar esa combinación para construir una noche con identidad propia, en la que la música electrónica se encuentre con una estética vinculada al imaginario medieval y a una celebración tradicionalmente asociada a estas fechas. Una fórmula que diferencia a ANIMAS de una convocatoria centrada exclusivamente en el cartel.

Claptone lidera el cartel

En el apartado musical, Claptone ocupará el tramo central de la noche con un set de dos horas, de 00:00 a 02:00. Su combinación de house y melodías orientadas a la pista de baile será uno de los ejes de una programación que también contará con Javi Colina, encargado de preparar el terreno entre las 22:30 y las 00:00.

La noche arrancará a las 20:30 con Alex Lago. A continuación, Joseba Espuelas B2B Dorian tomarán el relevo de 21:30 a 22:30, antes de la actuación de Javi Colina y la llegada del cabeza de cartel. Tras Claptone, David Treble actuará de 02:00 a 02:45 y Eric Hernández pondrá el cierre a la programación.

Horarios de ANIMAS

20:30–21:30: Alex Lago
21:30–22:30: Joseba Espuelas B2B Dorian
22:30–00:00: Javi Colina
00:00–02:00: Claptone
02:00–02:45: David Treble
02:45–03:30: Eric Hernández

Con su primera edición, ANIMAS plantea una nueva cita para el calendario electrónico de octubre, con una combinación de música, localización y contexto que busca distinguirla de otros eventos. La cita tendrá lugar el sábado 24 de octubre en el Pueblo Medieval de Sendaviva, Navarra, coincidiendo con la Noche de Ánimas.

Más información y entradas aquí.

 

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UNA FINAL INTERNACIONAL DE STREET DANCE CON EL PÚBLICO COMO JURADO: ZÚRICH SE PREPARA PARA RED BULL DANCE YOUR STYLE

Redacción | 21 Oct, 2026.

La cuenta atrás ha comenzado para una de las grandes citas internacionales de la danza urbana. Este sábado 24 de octubre, Zúrich acogerá la final mundial de Red Bull Dance Your Style 2026, una competición que reunirá a bailarines de diferentes países en una batalla de freestyle donde la improvisación, la selección musical y la conexión con el público serán determinantes para hacerse con el título.

A diferencia de otros campeonatos, aquí no hay jueces que decidan quién gana. Los enfrentamientos son individuales, uno contra uno, y los participantes deben adaptar sus movimientos a canciones inesperadas, que pueden ir desde éxitos actuales hasta clásicos de distintas épocas. Es el público quien tiene la última palabra y elige al ganador de cada batalla, convirtiendo cada enfrentamiento en una competición abierta en la que la capacidad de sorprender resulta fundamental.

España estará representada por Xelyna

La escena española tendrá su representante en esta final internacional con Xelyna, una de las bailarinas que participarán en la competición en Zúrich. Su presencia permitirá seguir de cerca el papel de España en un campeonato que reúne a algunos de los nombres más destacados de la danza urbana internacional.

En un formato en el que no basta con dominar una disciplina, la capacidad de interpretar canciones inesperadas, adaptarse al rival y conectar con el público puede marcar la diferencia. Xelyna se enfrentará a ese reto en una competición donde cada batalla exige encontrar respuestas sobre la marcha y donde la decisión final queda en manos de los asistentes.

Zúrich, sede de la final mundial

Después de pasar por ciudades como París, Johannesburgo, Frankfurt, Mumbai y Los Ángeles, Red Bull Dance Your Style llega a Zúrich para celebrar una nueva final internacional. El escenario principal será el Hallenstadion, donde los bailarines competirán ante el público en una jornada que pondrá el foco en la diversidad de estilos y la creatividad dentro de la danza urbana.

La programación también incluye rondas previas en Schiffbau, donde los participantes buscarán hacerse un hueco en la gran final. Las entradas para la final en Hallenstadion, así como para las semifinales y las prefinales, ya están agotadas.

Horarios y cómo seguir la final

La apertura de puertas del Hallenstadion está prevista para las 18:00, mientras que el espectáculo comenzará a las 20:00 y se prolongará hasta las 22:30, en horario CEST.

Quienes no puedan asistir tendrán la posibilidad de seguir la competición en directo a través de Red Bull TV, YouTube y TikTok. En YouTube, además, la participación del público a través de la votación forma parte de la dinámica del evento.

Más información aquí.

Con bailarines llegados de distintos puntos del mundo y un formato que sitúa al público en el centro de la competición, Red Bull Dance Your Style volverá a poner a prueba los límites de la improvisación y la expresión individual. Una final en la que no bastará con dominar la técnica: también habrá que saber interpretar cada canción, conectar con los asistentes y ganarse sus votos.

Más información aquí.

 

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EL BOCATA DE CALAMARES Y EL COCIDO SON DE MADRID. DENNIS CRUZ, TAMBIÉN

Rebeca Luque | 20 Oct, 2026.

El pasado sábado 17 de octubre, el DJ y productor madrileño Dennis Cruz volvió a la capital para ponerse al mando de The Lenovo Garage en una nueva cita de BSMT Live. La propuesta era sencilla sobre el papel: siete horas de música, un solo DJ y ninguna discusión sobre quién entra después. De 17:00 a medianoche, la cabina tenía dueño. Y eso, aunque pueda parecer un plan bastante cómodo, también tiene su responsabilidad. Hay quien tarda cuarenta minutos en decidir qué cenar y aquí hablamos de mantener el rumbo musical de toda una tarde.

La idea de un All Day Long tiene precisamente ese punto de partida. No se trata solo de alargar una sesión hasta que el reloj pida clemencia, sino de darle a un artista tiempo para desarrollar su selección, cambiar de intensidad, jugar con los ritmos y llevar la música por donde considere. Sin relevos, sin tener que condensar todas sus ideas en una hora y sin la presión de dejarle el terreno preparado al siguiente.

Eso sí, siete horas son siete horas. Hay gente que no aguanta ni siete minutos sin mirar el móvil y aquí hablamos de mantener la atención de una pista durante toda una tarde. Desde fuera, pinchar puede parecer bastante sencillo: unos cascos, una mesa, cuatro botones y la sensación de que tampoco hay que estar desactivando una bomba. Hasta que te das cuenta de que hay que leer el ambiente, elegir el momento adecuado y, sobre todo, no quemar todos los cartuchos en la primera hora, como quien se come el postre antes de empezar a cenar.

La clave está en saber administrar el tiempo. Construir un recorrido musical requiere paciencia, intuición y cierta capacidad para entender qué pide la pista en cada momento. Porque tener siete horas por delante no significa que todo valga, igual que disponer de una tarde entera no garantiza que vayas a aprovecharla. Aunque, a diferencia de lo que ocurre cuando abrimos la aplicación del banco después de un festival, en este caso sí hay margen para corregir el rumbo.

En ese terreno se mueve Dennis Cruz, nombre artístico de Denis de Galdo Troyano, un DJ y productor madrileño que lleva años consolidando su posición en la escena electrónica internacional. Su sonido transita entre el house y el tech house, con bajos contundentes, percusiones y matices funk y latinos que dan personalidad a sus producciones. No hace falta conocer todos los subgéneros ni llevar gafas de sol dentro de una sala para disfrutarlo. Aunque siempre hay alguien dispuesto a mirarte como si acabases de suspender el acceso a Berghain por preguntar qué está sonando.

Su trayectoria se ha construido a través de producciones, sesiones y actuaciones en distintos puntos del circuito internacional. Un recorrido que le ha permitido desarrollar una identidad reconocible sin quedarse atrapado en una única fórmula. Porque encontrar un sonido que funciona ya tiene su mérito; conseguir que siga teniendo sentido después de años trabajando con él es otra historia. La electrónica está llena de gente que encuentra la gallina de los huevos de oro y decide ponerla a trabajar hasta que no puede más.

Volver a Madrid con un formato de estas características también tiene algo especial. No es lo mismo pasar por una ciudad para cumplir con un horario que disponer de toda una tarde para desarrollar tu propuesta ante un público que comparte ese espacio contigo. La relación con la música cambia cuando no tienes que estar pendiente de los relevos y puedes dejar que el set avance a su propio ritmo.

Además, empezar a las cinco de la tarde tiene una ventaja evidente: sobre el papel, parece el plan perfecto para cualquier adulto que intenta mantener una mínima estructura vital. Sales pronto, escuchas música, ves a tus amigos y vuelves a casa a una hora razonable. Incluso puedes engañarte pensando que el domingo te va a cundir.

El problema es que la palabra «razonable» cambia bastante cuando hay música de por medio. Lo que a las cinco parece una tarde tranquila puede acabar convirtiéndose en una negociación entre tu cuerpo, tu agenda y ese amigo que siempre dice «la última» con la misma credibilidad que un político en campaña.

Tampoco hace falta que la noche se tuerza para que el plan se alargue. A veces basta con estar a gusto, que suene algo que te gusta y que nadie tenga demasiadas ganas de irse. Y eso fue precisamente lo que ocurrió el sábado. En ese momento, todas las decisiones parecen buenas. Incluso pedir otra ronda cuando sabes que al día siguiente tienes cosas que hacer. El cerebro está de vacaciones, pero la alarma del lunes no ha recibido el comunicado.

En ese contexto, el formato All Day Long encaja especialmente bien. No obliga a vivir la música como una carrera entre artistas ni a consultar el horario cada veinte minutos. La propuesta gira alrededor de un solo nombre y deja que sea su selección la que marque el recorrido. Para el público, significa poder entrar en esa dinámica sin estar pendiente de lo que viene después; para el DJ, supone disponer del tiempo necesario para construir una sesión con calma, explorar diferentes registros y decidir hasta dónde quiere llevarla.

Que Dennis Cruz sea de Madrid es una buena forma de empezar esta historia, pero su trayectoria va mucho más allá de su lugar de origen. Su recorrido demuestra que desde la escena electrónica española también se construyen carreras con proyección internacional y propuestas capaces de encontrar su espacio fuera de casa.

Al final, cada formato tiene su gracia. Hay noches en las que apetece recorrer varias cabinas y otras en las que prefieres entregarte a una única propuesta. Lo importante es que la música tenga espacio y que el artista sepa qué hacer con él. Lo demás —la hora de vuelta, el último taxi o el mensaje del domingo preguntando quién tiene una chaqueta que no es suya— pertenece a otra sección de la cultura electrónica.

Porque Madrid no solo exporta cocido y chulería. También tiene artistas que llevan su sonido por medio mundo y que, de vez en cuando, vuelven a casa para demostrar que aquí también se juega en primera división electrónica.

Y si alguien te pregunta qué tal el plan, siempre puedes decir que era una tarde tranquila de música. Técnicamente, no estarías mintiendo.

“EL BUGG”, DE LOS TEMAS MÁS SENTIMENTALES AL JANGUEO

Lorena Galdón y Elvira Olmos | 19 Oct, 2026.

Ayer nos fuimos hasta la Shoko para ver a El Bugg y, aunque al entrar la sala no estaba tan llena, en cuanto salió a cantar y de que me quise dar cuenta, ya veía las cabezas de la gente al final ocupándola entera. 

Desde el primer momento se notó que la peña venía con ganas, pero lo guay del concierto fue ver cómo fue evolucionando poco a poco. Empezó con un punto más sentimental y acabó convirtiéndose en una fiesta con toda la gente literalmente sin parar de moverse.

Una de las cosas que más me gustó desde el principio fue la estética del directo. El Bugg tiene una identidad visual bastante definida y eso se notó tanto en la puesta en escena como en los visuales que acompañaban cada canción. Durante la primera parte del concierto cantó detrás de estas proyecciones, que iban cambiando según el tema y que tenían un rollo bastante estético. Además, se veía muy presente la simbología de la cabra que está siendo como su sello últimamente, el cuál también se ve bastante en su merchandising nuevo. 

El concierto arrancó con canciones como la de con SUB21, uno de los primeros temas de la noche, y empezó con un comienzo algo más tranquilo y sentimental. Pero la cosa fue de menos a más y, poco a poco, empezaron a llegar canciones más movidas. Kvaller fue una de las que más ilusión me hizo en este primer tramo.A partir de ahí, empezaron a caer temas como Swiper No Robes, Switch y Esa gata me quiso cambiar, que consiguieron que el público se metiera aún más en el mood.

Pero uno de los puntos fuertes fueron, sin duda, las colaboraciones sorpresa. La aparición de El Guxo para cantar Rifle Talibán fue uno de los momentos más esperados, toda la sala se vino arriba y el tema se cantó prácticamente a gritos. También salió Chiche Malo para cantar Carita de BB, posiblemente el tema más pegado ahora mismo ya que se está escuchando ya bastante en las discotecas desde que salió. A esto se sumó la colaboración con Biberón, el cuál yo personalmente no conocía esta colabo pero me moló bastante el rollo.

Si que es verdad que una parte de mi tenía la pequeña esperanza de que una de las sorpresas fueran Israel B o TK Mami cantando las canciones de, “Los del Humo” y “Ojos de Ángel”, que sí que las canto (puntazo) pero en solitario. 

Y después de hacer literalmente a toda la sala no parar de moverse, tanto a los que estaban arriba como a los que estaban abajo cerró el concierto con uno de los temas más esperados y más famosos  “V. Ave María Outro”, otra de mis canciones favoritas. Y es que cuando empezaron a encenderse los flashes de los móviles y la sala entera acompañó el tema con los brazos en alto, se creó un ambiente súper íntimo. Después de todo el subidón que había habido durante el concierto, cerrar así le dió un toque bastante especial y que, personalmente, me pareció de lo mejor de la noche.

ASÍ ES LA PROPUESTA DE ELROW, BRUNCH ELEKTRONIK E INDUSTRY CITY X MONEGROS PARA LA NOCHE DE HALLOWEEN EN MADRID

Redacción | 17 Oct, 2026.

La noche del 31 de octubre reunirá en Madrid cinco escenarios dedicados a diferentes sonidos de la electrónica, con una programación de más de 12 horas y decenas de artistas. Halloween Takeover Madrid celebrará su próxima edición en Iberdrola Music, donde espera congregar a más de 30.000 asistentes con elrow, Brunch Electronik e Industry City x Monegros al frente de la propuesta.

The Martinez Brothers, Maceo Plex, Kölsch, COLYN, DJ Gigola, Fátima Hajji, Marco Faraone, Chelina Manuhutu, ØTTA y Prada2000 figuran entre los principales nombres del cartel. La propuesta combinará house, tech-house, melodic techno y hard techno, con sesiones B2B y artistas como Manda Moor B2B Sirus Hood, Cruisy B2B Calussa y Render B2B Easttown, además de nuevas corrientes de la escena europea.

El evento reunirá por segunda vez a elrow y Brunch Electronik, tras su colaboración en Barcelona el pasado año, y contará también con Industry City x Monegros. Elrow trasladará a Madrid su universo visual Dance With The Serpent, creado junto al artista NYCHOS, con una producción inmersiva de 360 grados, performances e instalaciones visuales. Por su parte, Brunch Electronik dispondrá de una carpa con capacidad para 8.000 personas dedicada al techno y al melodic techno.

La propuesta de Industry City x Monegros llevará al recinto una estética industrial inspirada en el universo de Monegros Desert Festival, con containers, fuego y sonidos contundentes. El cartel se completa con La Plaza, en colaboración con Antídoto y con artistas como What So Not, Panteros666 y Ryota, y The Jail, un espacio de ambientación clandestina en el que actuarán, entre otros, Cortezz, Hadex, Javi Galán y Yins.

Halloween Takeover Madrid tendrá lugar en Iberdrola Music, en el distrito de Villaverde, con conexiones de Metro, Cercanías y autobús. La organización habilitará además puntos específicos para taxis y vehículos VTC, así como un mapa de movilidad para facilitar los desplazamientos entre escenarios y accesos. Con esta propuesta, el evento plantea una jornada que combina música, producción visual y distintos espacios dedicados a la cultura club.

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EL FC BARCELONA VUELVE A LLEVAR LA CULTURA DE LA COLABORACIÓN AL SIGUIENTE NIVEL CON TYLER, THE CREATOR Y GOLF WANG

Redacción | 15 Oct, 2026.

El fútbol y la moda llevan tiempo cruzando caminos, y la nueva colaboración entre Tyler, The Creator, el FC Barcelona y Spotify es otro ejemplo de ello. El artista estadounidense lleva el universo de GOLF WANG a la camiseta del Clásico contra el Real Madrid, que se disputará el próximo 25 de octubre.

El elemento más visible de esta alianza será la camiseta que vestirá el equipo azulgrana durante el partido. El habitual espacio reservado a Spotify en el frontal dará paso al logotipo de GOLF WANG, la marca fundada por el artista y una de las principales extensiones de su identidad creativa. La equipación se estrenará el 24 de octubre en el encuentro del Barça Femenino, antes de llegar al terreno de juego con el equipo masculino al día siguiente.

Más allá del cambio de imagen, la colaboración introduce una novedad en la relación entre Spotify y los artistas invitados a intervenir en la camiseta del club: Tyler asume la dirección creativa de la campaña gráfica y audiovisual que acompaña al lanzamiento. Una forma de trasladar su lenguaje visual a una colaboración que no se limita al terreno de juego.

La propuesta también se extiende a la moda con una colección cápsula desarrollada junto a Nike, FC Barcelona y GOLF WANG. La línea reúne prendas que conectan la estética deportiva con los códigos de la marca estadounidense, entre ellas chaquetas de inspiración universitaria, conjuntos deportivos, camisetas, sudaderas, pantalones cortos y equipaciones de aire vintage. La selección se completa con accesorios como bufandas, gorros, calcetines, botellas y balones.

El lanzamiento incluye, además, varias ediciones especiales de la camiseta. Entre ellas destaca una tirada de 1.899 unidades en versión Match, una referencia al año de fundación del FC Barcelona. A esta edición se suman 22 camisetas firmadas por los titulares de los equipos masculino y femenino, además de otras 11 con la firma del propio Tyler.

La música tendrá también su espacio en la presentación del proyecto. El 24 de octubre, Barcelona acogerá Copa De Golf, un evento impulsado por Spotify que reunirá a artistas, seguidores y representantes de la escena local en torno a la unión entre fútbol, moda y música. La programación contará con Yung Taco al frente de la sesión principal como DJ, acompañado por Bexnil, Alu Nuenga, Duna y Mushkaa.

Con esta colaboración, Tyler, The Creator traslada parte de su universo creativo a uno de los escaparates más visibles del fútbol internacional. Una alianza que convierte la camiseta del Clásico en el punto de encuentro entre dos mundos y amplía la colaboración hacia otros formatos, desde la ropa hasta la dirección artística.

ASÍ FUE LA PRIMERA TRILOGÍA DE CODE EN FABRIK

Lorena Galdón | 14 Oct, 2026.

Tres días después, con mucha resaca emocional, con la necesidad de unas piernas nuevas y con todavía mucho que asimilar, toca contar cómo fue esta primera trilogía de CODE.

Y es que si algo tenía claro antes de ir es que me iba a resultar difícil ver a todos los artistas el tiempo que me habría gustado. Y así fue. La primera fecha de esta trilogía, con la que CODE celebra su 23 aniversario, llegó a FABRIK con un cartelazo y, entre las ganas de ver a unos, los horarios que se pisaban y las veces que acabas quedándote en una sala más de lo que tenías pensado, la noche se pasó más que volando.

Con un cartel de más de 25 artistas repartidos por las distintas salas, imagínate. FJAAK, Clara Cuvé, Cera Khin, SPFDJ, Daria Kolosova, Chris Liebing… Y por si fuera poco, también teníamos a míticos como Kevin Saunderson y Derrick May.

Literalmente quería estar en todos lados, pero lo que sí tenía claro es que no podía perderme los sets de Alba Franch (a la que no paramos de ver cada vez en más carteles de fiestas y festivales, y por aquí estamos más que contentos), Clara Cuvé y César Almena, aunque siendo totalmente realista, los dos platos fuertes de esta CODE fueron Klangkuenstler en la Main y KUKO en el Hangar, con su All Night Long World Tour de UNREAL.

Era la primera vez que veía a Klangkuenstler en directo y, después de tanto verlo en las rrss, confirmé lo que ya me esperaba. Entre la música del set, los láseres, los efectos y toda la energía de la gente, consiguió crear una experiencia en la que desde el minuto uno estabas completamente dentro, haciendo que el tiempo se pasara volando y te quedaras con ganas de mucho más. Tanto que literalmente una se está planteando ir a su próximo ANL vamos.

Y es que era tantísima gente la que había, que llegó un momento del set en el que tuvieron que cortar el acceso y por eso algunas personas tuvieron la mala suerte de tener que quedarse fuera. Así que, si fuiste uno de ellos, mi consejo es que vayas 40 min antes de algún set que te guste a coger un buen sitio (lo digo por experiencia).

Y es que, una vez más, el sábado nos encontramos con una CODE ofreciendo uno de esos carteles que molan, con una variedad de música para todos los gustos, algo a lo que también estamos bastante acostumbradas a ver en otros eventos de FABRIK. Una noche en la que, como me pasa muchas veces cuando voy, acabo descubriendo artistas que no tenía tan fichados y que hacen que me quiera quedar mucho más en otras salas. Y, cómo no, la mayoría de veces en la sala KRYSTAL, mi favorita sin duda.

Y después de 23 años, está claro que la CODE y FABRIK siguen siendo referentes dentro de la música electrónica. Al final, mantenerse ahí durante tanto tiempo y seguir reuniendo carteles de este nivel, con artistas de distintas generaciones y estilos, dice bastante.

Por aquí una ya está contando los días para la siguiente, y es que este 14 de noviembre vuelve con su segunda fecha, con nombres como Alienata, Héctor Oaks, Efdemin, Marcal y muchos más. Pero claro, por si parecía poco, también podemos saber los primeros nombres confirmados de la tercera el 5 de diciembre como por ejemplo el de Cloudy, Ben Sims y Chlär y otros más… aunque por aquí nos olemos más sorpresas :p

MARÍA ESCARMIENTO CONVIERTE LA SALA APOLO EN UNA FIESTA CON EL UNIVERSO DE FOREVER

El pasado viernes, María Escarmiento aterrizó en la Sala Apolo de Barcelona con un directo cargado de energía, actitud y una propuesta que convirtió la sala en una auténtica fiesta. Acompañada por el DJ Vau Boy, la artista repasó su álbum FOREVER sin olvidarse de los temas que han marcado sus anteriores etapas, en un concierto que reivindicó su particular manera de entender el pop.

El show arrancó con «DOPE FOREVER», una declaración de intenciones que marcó el ritmo de lo que estaba por venir. A partir de ahí, María desplegó un repertorio que combinó los temas de su último álbum con canciones anteriores, conectando diferentes momentos de su trayectoria y demostrando que su universo musical sigue creciendo sin perder su esencia.

La complicidad con Vau Boy fue una de las claves de la noche. Entre bases electrónicas, actitud y una energía que no dio tregua, ambos construyeron un directo pensado para bailar, cantar y dejarse llevar. Lejos de limitarse a presentar un disco, María convirtió el concierto en una celebración de su identidad artística.

Uno de los momentos destacados llegó con la aparición de Fran Laoren, que se sumó al espectáculo. También se esperaba la presencia de Julieta, aunque finalmente no pudo acudir al show. Su ausencia dejó pendiente una colaboración que habría añadido otro momento especial a la noche.

El concierto también tuvo espacio para mirar hacia los vínculos de María con otros nombres de la escena. Las referencias a Delgao y temas como «Miau», de Sensación de calor 2, o «¿Xq tan wapa tú?», ampliaron el recorrido musical y recordaron las conexiones que se tejen dentro de una generación de artistas que juega con los límites del pop, la electrónica y los nuevos sonidos urbanos.

Con FOREVER como hilo conductor y un repertorio que miró tanto al presente como a sus etapas anteriores, María Escarmiento firmó en Apolo un concierto directo, desenfadado y sin complejos. Una noche que confirmó que su propuesta funciona especialmente bien sobre el escenario: cuando las canciones dejan de pertenecer únicamente al disco y se convierten en una fiesta compartida.